Polykleitos, Doryphoros (porteur de lance)

Polykleitos, Doryphoros (porteur de lance)


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Polykleitos, Doryphoros (Spear-Bearer), copie en marbre romain d'après un original en bronze grec de c. 450-440 avant notre ère (Museo Archaeologico Nazionale, Naples)


Art grec

Une leçon sur la peinture grecque antique sous forme de poterie ainsi que sur la sculpture grecque offre une excellente opportunité pour une discussion approfondie sur la quête de l'artiste pour atteindre de vraies proportions et postures humaines. De la période géométrique, la période la plus ancienne de l'art grec, au développement du canon anatomique des proportions dans la période du haut classique, vous pouvez utiliser l'évolution de la forme figurative comme épine dorsale de votre discussion.

Cette leçon incorpore uniquement des œuvres grecques qui s'étendent de 800 à 31 avant notre ère (bien que certains des exemples ultérieurs soient des copies romaines d'originaux grecs perdus, les dates fournies se rapportent à leur création grecque). Il s'articule autour de l'évolution des proportions anatomiques et de la forme humaine. À travers ce thème, vous pourrez également explorer l'importance dans la culture grecque de représenter des figures mythologiques et des divinités sous une forme idéalisée, ou le développement de la notion d'humanisme, une approche idéologique centrée sur l'immense potentiel de l'être humain pour atteindre la grandeur, en particulier dans les arts et sciences. Alternativement, vous pouvez relier l'étude grecque de la forme humaine aux proportions idéalisées de l'architecture grecque (Phideas, par exemple, et ses efforts au Parthénon, 447-432 avant notre ère). Les œuvres de cette leçon témoignent également d'un dernier parallèle entre elles de l'émergence de l'artiste nommé. C'est à travers l'art grec que l'on assiste pour la première fois dans le canon historique de l'art occidental à une soudaine profusion d'artistes signant leurs œuvres, suggérant une nouvelle fierté d'être un artiste respecté.

Une excellente façon d'initier votre classe à ce thème est de commencer votre leçon avec une image du Metropolitan Museum of Art’s Statue d'un Kouros (590-580 avant notre ère). Si vous avez déjà abordé l'art égyptien, vous pouvez commencer par demander aux élèves ce que cette statue leur rappelle, par exemple, Le roi Menkaourê et sa reine (2490-2472 avant notre ère). Vous pouvez ensuite leur demander de comparer et de contraster ces deux sculptures, ou vous pouvez procéder en recrutant un étudiant bénévole devant la classe. Demandez à cet élève de prendre une pose imitant celle de la statue métropolitaine d'un Kouros, puis demandez à vos élèves des suggestions sur la façon dont l'élève posé pourrait ajuster son corps pour paraître plus naturaliste.

Lectures de fond

Polyclète, Doryphore (porteur de lance), copie romaine de l'original grec de 440 avant notre ère, marbre.

Avant le cours, l'essai thématique du Metropolitan Museum of Art sur l'art grec fournit un excellent instantané textuel des siècles de pointe de la production artistique de la Grèce antique. Vous pouvez combiner cela avec l'essai du musée qui se concentre également sur la période géométrique de la production artistique pour fournir une image plus complète. Le synopsis de Smarthistory est également un aperçu intelligent et rapide qui commence plus tôt dans la production artistique grecque et transporte le spectateur dans l'art romain, ce qui peut également fournir une séquence pratique pour un sujet de conférence ultérieur.

Suggestions de contenu

Style de figure noire: un style de pot peint de la période archaïque (600-480 avant notre ère) dans lequel les figures et les formes sont créées par l'application d'engobe noir avant la cuisson.

Contraposto: pose de la figure humaine dans laquelle une partie est tournée en opposition à une autre partie, généralement avec le poids du corps étant projeté sur un pied pour créer un contrepoids du corps autour de son axe central.

Style géométrique: un style de pot peint de la période géométrique (900-700 avant notre ère) dominé par des motifs abstraits (par exemple le motif des méandres) et des animaux véhiculés par un engobe noir.

Humanisme: une approche idéologique ou philosophique qui met l'accent sur l'importance de l'être humain, plutôt que sur les forces divines ou célestes, et le potentiel de l'être humain pour l'accomplissement ou la grandeur en toutes choses.

Koré: grec pour "jeune femme" type statuaire représentant une jeune femme.

Kouros: grec pour "jeune homme" type statuaire représentant un jeune homme.

Cratère: un grand récipient utilisé par les anciens Grecs pour mélanger le vin avec de l'eau aussi parfois utilisé comme marqueurs funéraires masculins.

Style de figure rouge: un style de pot peint de la période archaïque (600-480 av. .

Symétrie: la symétrie, y compris le sens des proportions et de l'équilibre, tel qu'obtenu par les poses contrapposto.

Style de sol blanc: un style de pot peint de la période archaïque (600-480 av.

De l'essor de l'art grec ancien vers 800 avant notre ère à son déclin sous le règne d'Alexandre le Grand au IVe siècle avant notre ère, les artistes de cette période ont révolutionné le traitement de la forme humaine. Introduit avec la première période géométrique, qui a continué les conventions passées des formes stylisées et abstraites, l'avancement rapide du traitement figuratif et de la proportion est devenu au cours des siècles suivants la marque de fabrique de l'art grec ancien et la caractéristique la plus imitée par les artistes de l'Empire romain ultérieur. et la Renaissance des siècles plus tard.

Un élan important pour le développement des proportions anatomiques dans l'art grec a été l'émergence de l'humanisme, une approche idéologique ou philosophique qui souligne l'importance de l'être humain, plutôt que des forces divines ou célestes. L'humanisme se concentre sur l'expérience humaine et les perspectives naturalistes, et met l'accent sur le potentiel de réalisation ou de grandeur de l'être humain en toutes choses.

Voici quelques œuvres clés, organisées par période, qui peuvent être utilisées pour illustrer la progression des artistes grecs rendant la forme humaine au cours d'un cours d'une heure quinze minutes:

Chronologie:
Période géométrique (800-700 avant notre ère)
Période orientalisante (700-600 avant notre ère)
Période archaïque (600-480 avant notre ère)
Début de la période classique (480-450 avant notre ère)
Haute période classique (450-420 avant notre ère)
Période classique tardive (420-323 avant notre ère)
Période hellénistique (323-31 avant notre ère)

  • Cratère funéraire, cimetière Dipylon, v. 760 avant notre ère, géométrique, Metropolitan Museum of Art, New York
  • Mantiklos Apollo, Grèce, v. 700-680 avant notre ère, orientalisant, Musée des beaux-arts, Boston
  • Exékias, Achille et Ajax jouant aux dés, ch. 530 avant notre ère, archaïque, Musées du Vatican, Rome
  • Euphronios, Mort d'un cratère Sarpédon, 515 avant notre ère, archaïque, Musée national étrusque, Rome
  • Peintre Phialé, Hermès amenant l'enfant Dionysos à Papposilenos, ch. 440-435 avant notre ère, archaïque, Musées du Vatican, Rome
  • Statue d'un Kouros, v. 580 avant notre ère, archaïque, Metropolitan Museum of Art
  • Kroisos Kouros, Anavysos, ch. 530 avant notre ère, archaïque, 76 pouces de haut, Musée national d'archéologie, Athènes
  • Kritios Boy, 480 BCE, Early Classical, 34 pouces de haut, Musée de l'Acropole
  • Guerrier mourant, Temple d'Aphaia, Ouest, 500-490 AEC (vs. Fronton Est, 490-480 AEC), Glyptothèque, Munich
  • Polyclète, Doryphore (porteur de lance), Copie romaine d'un original grec de 440 avant notre ère, Haut Classique, Musée Archéologique de Naples
  • Praxitèle, Hermès et l'enfant Dionysos, copie romaine d'un original grec de c. 340 avant notre ère, Classique tardif, Musée du Louvre, Paris
  • Chef gaulois se tuant lui-même et sa femme, copie romaine d'un original grec de c. 320-220 avant notre ère, hellénistique, Palazzo Altemps, Rome
  • Boxeur vaincu, ch. 100-50 avant notre ère, hellénistique, Palazzo Massimo alle Terme, Rome

Les Cratère funéraire du cimetière de Dipylon porte les caractéristiques essentielles de la première période géométrique, qui tire son nom de l'utilisation répétée de motifs et de motifs géométriques pendant cette période. Ici, des registres ou niveaux de décoration clairement divisés alternent entre différents motifs géométriques abstraits, y compris le motif en méandre visible sur la lèvre supérieure du pot. Le ventre du cratère est orné de deux registres plus grands séparés par des motifs géométriques et remplis d'une représentation stylisée d'un cortège funèbre. Le registre supérieur révèle l'individu décédé, posé de manière rigide sur un cercueil funéraire, et de chaque côté apparaissent des formes féminines abstraites, dont les bras croisés au-dessus de leur tête sont destinés à signaler leur deuil. Le registre inférieur révèle une procession de soldats avec leurs chevaux, présentant des exemples supplémentaires de la tendance vers les figures abstraites. Les soldats, par exemple, apparaissent comme s'ils étaient des boucliers avec des membres, tandis que les chevaux de char sont fusionnés en une seule forme de cheval avec une multitude de jambes.

Cette abstraction de la forme s'est poursuivie jusqu'à la période orientalisante, comme l'illustre le Apollon de Mantique. Gagner ce nom de l'inscription sur ses cuisses qui dit : « Mantiklos m'a fait don comme dîme au tireur lointain, le porteur de l'Arc d'Argent. Toi, Phoebus (Apollon) me donne quelque chose d'agréable en retour », ce petit votif en bronze coulé révèle un traitement stylisé de la forme humaine semblable à celui du cratère Dipylon, avec un torse triangulaire inversé, un cou allongé et un visage oblong.

En entrant dans la période archaïque, on assiste à une profusion de poteries peintes. Ces pièces en céramique reflètent les talents des peintres grecs pour rendre le naturalisme figuratif. L'habileté requise pour ces pièces est attestée par le fait que les artistes ont signé plusieurs des pièces qu'ils ont peintes. Le premier style à émerger était connu sous le nom de poterie de style à figures noires, ainsi appelée parce que des figures apparaissent lors de l'application et de l'oxydation au four de la barbotine de silice appliquée. Exékias’ Achille et Ajax jouant aux dés illustre ce style de pot. En le comparant au cratère funéraire Dipylon, on peut voir que les motifs géométriques répétés et les figures abstraites sont ici remplacés par un récit réduit à un registre central et une articulation plus claire des figures et des éléments de composition. C'est comme si Ezekias avait attrapé Achille et Ajax dans un moment houleux du jeu, tous deux penchés sur le plateau en observation.

Le même sentiment peut être obtenu à partir de la poterie de style Red Figure, comme illustré par Euphronios’ Mort du cratère Sarpédon. Ici, les figures sont formées par l'absence de la barbotine de silice, avec l'avantage de permettre des détails plus complexes au sein de la composition. Dans le panneau narratif principal du cratère de la mort de Sarpédon, par exemple, la maîtrise par Euphronios de la technique de la figure rouge lui a permis de délimiter la musculature et les blessures saignantes, des détails qui ajoutent à la scène dramatique, dans laquelle Sarpédon, vaincu par la lance de Patrocle pendant la guerre de Troie, est emporté hors du champ de bataille par le Sommeil et la Mort.

La technique de la terre blanche, le dernier des trois styles de poterie peinte grecque, a fait avancer le domaine en introduisant l'élément de la polychromie ou des formes multicolores. Ce style, comme illustré dans le Phiale Painter's Hermès amenant l'enfant Dionysos à Papposilenos, consistait à peindre des scènes narratives en plusieurs couleurs sur un pot en argile blanche. Le résultat, semblable à une peinture sur toile, était une imagerie aussi complexe que celle des pots à figures rouges et noires, mais ici, l'ajout de couleurs vives donne vie à ces histoires.

Également au cours de la période archaïque, nous constatons que les artistes deviennent exponentiellement plus aptes à évoquer le naturalisme du corps humain. Statue d'un Kouros révèle des efforts, par exemple, pour mieux transmettre la musculature d'une silhouette masculine, avec des lignes incisées utilisées pour délimiter les muscles abdominaux et des cuisses. Ce kouros, ou « jeune homme », présente également une plus grande expression faciale, illustrant l'expression serrée et semblable à un mannequin connue sous le nom de « sourire archaïque », une caractéristique commune de la sculpture de cette période.

Comparez la statue métropolitaine d'un Kouros à la Kroisos Kouros, sculpté quarante ans plus tard, et vous pouvez avoir une idée de la rapidité avec laquelle les artistes ont innové leur approche de la figure. Alors que la figure de Kroisos Kouros conserve le sourire archaïque, une couche de cheveux tressés semblable à un tapis et une position rigide similaire aux kouros du métropolite, les kouros d'Anavysos montrent de grands progrès dans la compréhension des Grecs de l'anatomie et de la musculature. Les muscles profilés ont remplacé les lignes incisées, et la circonférence globale des cuisses et du torse nous rapproche encore plus d'une figure humaine naturaliste.

Les Garçon de Kritios reflète la prochaine étape de cette évolution au cours de la transition vers la première période classique, commencée avec la victoire des Grecs sur les envahisseurs perses et considérée, avec la haute période classique, les années de pointe de la civilisation grecque antique. Bien que le visage du garçon Kritios soit encore relativement inexpressif, le sourire archaïque a disparu et les yeux sculptés, qui à l'origine auraient été incrustés de pierre, suggèrent un pas vers l'imprégnation de la personnalité. La compréhension de la musculature de l'artiste est également améliorée, à tel point que la sculpture donne une idée de la tactilité de sa chair. Ce qui est le plus frappant à propos de cette figure, cependant, est l'effort pour capturer la position naturaliste du contrapposto, dans laquelle les épaules se déplacent à l'opposé du bassin, permettant au poids de la figure de reposer sur une jambe tandis que l'autre se plie légèrement.

Le développement du naturalisme a été au cœur de la transition de l'archaïque au début de la période classique, comme en témoigne une analyse visuelle du fronton occidental Guerrier mourant (500-490 avant notre ère) et Guerrier mourant du fronton oriental (490-480 avant notre ère) du temple d'Aphaia à Égine. Bien que ces deux chiffres aient été achevés à une dizaine d'années d'intervalle, ils révèlent cette transition essentielle. The Western Frontiment Dying Warrior conserve les mêmes caractéristiques de ses prédécesseurs archaïques (sourire archaïque, apparence de mannequin) tout en révélant les limites de cette approche de la représentation sculpturale. Ce personnage est destiné à être en proie à la mort alors qu'il s'agrippe à la flèche qui a transpercé sa poitrine. Cependant, son visage sans expression et son sourire rigide ne suggèrent pas une telle agonie. À ce contexte émotionnel manquant s'ajoute la position inconfortable dans laquelle le corps de ce guerrier a été replié. Il tient en équilibre sur une hanche tout en croisant gaiement sa jambe, une position difficile à assumer pour quiconque, sans parler d'un soldat mourant. Son homologue Eastern Frontiment Warrior, cependant, révèle un plus grand sens du naturalisme non seulement dans la pose mais aussi dans l'expression.

Le sculpteur grec Polykleitos était connu pour sa perfection de la position contrapposto en conjonction avec son écriture du Canon, l'un des traités antiques connus les plus influents sur l'art. Dans ce texte, Polykleitos préconise la symétrie sculpturale, ce qui signifie essentiellement que toutes les parties de la sculpture doivent être conçues en parfaite proportion les unes par rapport aux autres. Ce principe est démontré dans son Doryphore (porteur de lance), en particulier dans le contrepoids des épaules du personnage à ses hanches. Avec son poids reposant sur son pied droit, la jambe gauche de ce personnage est pliée et son pied gauche est étendu derrière lui, comme si le porteur de la lance avait été attrapé à mi-course. Alors que ce positionnement des jambes fait plonger la hanche gauche du porteur de la lance vers le bas, Polykleitos compense cela en ajustant son épaule gauche vers le haut. Ce contrepoids permet la symétrie de la sculpture et correspond ainsi au canon de beauté de Polykleitos. (Un excellent clip illustrant le canon de Polykleitos, extrait de la série Nigel Spivey mentionnée ci-dessous, peut être trouvé ici.)

Si l'art grec de la haute période classique se caractérise par l'idéalisme raffiné du Doryphore, la période classique tardive qui s'ensuit, illustrée à travers des sculptures telles que Praxitèle’s Hermès et l'enfant Dionysos, capture l'intérêt naissant de la période pour une approche plus humaine des représentations artistiques. Ce changement est dû en partie à l'atmosphère politique changeante en Grèce, où le calme relatif du siècle précédent avait été remplacé au IVe siècle par des bouleversements et des incertitudes. Le plus notable dans ce changement était l'installation d'Alexandre le Grand, dont le père avait pris le contrôle des territoires grecs vers 338 avant notre ère mais n'a rencontré la mort que deux ans plus tard. Alors que les campagnes militaires d'Alexandre le Grand ont étendu le contrôle de la Grèce à des frontières sans précédent, l'atmosphère de troubles a déclenché des changements artistiques.

Dans Hermès et l'enfant Dionysos, nous voyons la figure d'Hermès adopter une position de contrapposto adoucie alors qu'il berce l'enfant Dionysos dans le creux de son bras. Le regard d'Hermès est plus doux que celui vu dans Doryphoros de Polykleitos, et son bras droit aurait autrefois tenu une grappe de raisin de manière ludique. En somme, l'interaction vue ici ne semble pas l'échange entre deux dieux mais plutôt celui entre un soignant et un enfant, soulignant les qualités humaines de ces divinités précédemment idéalisées.

La mort d'Alexandre le Grand en 323 av. S'appuyant sur les qualités humanistes de l'art classique tardif, l'art hellénistique mettait l'accent sur l'émotion, le drame et la théâtralité. Cela s'est particulièrement manifesté dans les ouvrages réservés aux monuments militaires, comme le Chef gaulois se tuant lui-même et sa femme. Faisant à l'origine partie d'un groupe sculptural érigé sur l'acropole du royaume de Pergame, près de l'actuelle Bergame, en Turquie, ce groupe dramatique était destiné à renforcer la victoire de Pergame sur les Gaulois tout en exprimant le respect pour leur noblesse dans la défaite.

Ici, le chef gaulois se tient prêt à enfoncer son épée dans sa propre poitrine, la pointe de sa lame transperçant déjà sa peau et provoquant des ruissellements de sang en dessous. Il est représenté juste après avoir tué sa femme, dont le corps pend à côté de lui. Sa pose puissante, impliquant que la mort est plus propice que la capture, offre un contraste fort avec celui du corps sans vie de sa femme, et en observant cette sculpture en rond, c'est comme si vous pouviez imaginer ce qui se passera ensuite.

Alors que le chef gaulois se tuant et sa femme exprime ce sens fort du drame et de la théâtralité, d'autres sculptures de la période hellénistique offrent une plus grande subtilité d'émotion. Tel est illustré par des œuvres comme le bronze Boxeur vaincu. Représentant un boxeur qui vient vraisemblablement de perdre un combat, cette figure exprime un sentiment de défaite totale, avec les épaules voûtées et une expression pitoyable sur son visage. Ainsi, bien qu'il ne soit pas aussi immédiatement dramatique que des œuvres telles que le chef gaulois, en comparaison, le boxeur vaincu illustre la gamme vraiment remarquable d'expression émotionnelle que les sculpteurs hellénistiques ont pu atteindre.

À la fin de la classe

Pour renforcer certains des thèmes abordés dans ce cours, vous pouvez demander à vos élèves de regarder des clips ou l'intégralité du premier épisode de Nigel Spivey’s Comment l'art a fait le monde, intitulé « Plus humain qu'humain ». Cet épisode est un excellent complément à une conférence sur l'art grec, car il traite de l'évolution de la forme humaine à partir de la Femme de Willendorf à l'époque grecque. Il fournit également une excellente explication visuelle du canon de Polykleitos.

Une discussion sur l'art grec ancien offre également l'opportunité d'intégrer le « sujet brûlant » actuel du patrimoine culturel et la question de longue date : « à qui appartient le passé ? » Cette question est particulièrement pertinente pour certains des objets inclus dans cette leçon, tels que la mort d'Euphronios du cratère Sarpedon, qui a été rapatrié en Italie en 2008 à la suite d'une longue bataille juridique (un article sur le sujet est ici cependant, des articles sur des les cas peuvent être trouvés facilement et pourraient être plus courants). Vous pouvez demander à vos élèves de lire des articles de presse récents sur la question, puis de rédiger un bref document de réponse ou de les incorporer dans un débat en classe.

Autres ressources

Alexis Culotte (auteur) est doctorant à l'Université de Washington.

Jon Mann (éditeur) est conférencier auxiliaire au Lehman College, collaborateur principal à Artsy, et conférencier et éditeur à Art History Teaching Resources et Art History Pedagogy and Practice.

Étincelles Kaegan (éditeur) est doctorant au CUNY Graduate Center et associé de publication dans les anthologies critiques au New Museum, New York.

AHTR est reconnaissant pour le financement de la Fondation Samuel H. Kress et du CUNY Graduate Center.


Le "Doryphoros" de Polykleitos vers 450 avant notre ère (AP et Survey Art History)

Forme : Cette sculpture orientée frontalement d'un jeune homme est bien plus grande que nature, est idéalisée et naturaliste. Certains traits du visage, la musculature de l'abdomen et au-dessus des organes génitaux ont été déformés pour s'adapter à un idéal de beauté physique. Les cheveux, le nez de la figure et les sourcils ont un aspect plutôt stylisé géométriquement, tout comme l'anatomie générale de la figure. Il y a encore un soupçon du sourire archaïque.

La figure se tient dans une pose de contrapposto (contra-contre posto-posture) dans laquelle le corps prend une courbe globale en « s ». Il y a un transfert de poids au niveau des hanches et la majorité du poids de la silhouette repose sur une jambe. Le torse est tourné dans un léger angle opposé à l'angle des hanches. La pose donne presque l'impression que la figure est en mouvement.

Il s'agit d'une sculpture en marbre réalisée par les Romains copiée à partir d'un original en bronze qui utilisait le moulage en creux ou le procédé à la cire perdue ou à la cire perdue. Le processus est appelé cire perdue non pas parce que nous avons perdu le processus, mais parce que la figure est à l'origine sculptée à partir de cire qui est perdue dans le processus. L'original est enfermé dans de l'argile. Deux trous de drainage sont placés dans l'argile et lorsque l'argile est chauffée, la cire s'écoule du trou en laissant une cavité. Le bronze est ensuite versé dans la cavité et lorsque le bronze se refroidit, le moule en argile est brisé, révélant la sculpture en bronze. Étant donné que le bronze est un métal assez mou, les détails peuvent être gravés et moulés pendant que le bronze est froid.
(aller ici pour les schémas)


Iconographie : Cette sculpture représente un jeune homme parfait et beau l'essence du kalos.

Dans la poésie épique grecque, le héros est toujours décrit comme beau ou beau et son apparence physique est le reflet de la vertu du personnage. L'idéalisme ou la beauté de la figure grecque est lié au concept selon lequel vous pouvez juger un livre par sa couverture. Le terme grec pour la beauté est kalos (calos). Le terme kalos peut également être échangé avec et est synonyme de bonté. Par conséquent, appeler quelqu'un ou quelque chose de beau signifie également que cette chose est également « bonne ».

La sculpture originale a en fait été conçue pour être une icône représentant la perfection physique de la forme humaine et donc un kalos semblable à un dieu. Le Doryphoros de Polykleitos était considéré comme si proportionnellement parfait qu'on l'appelait le "canon" (un ensemble de règles ou de critères ou de normes de jugement).

Pour toutes mes vidéos en ordre avec un manuel et des guides d'étude, veuillez visiter:
http://art-and-art-history-academy.usefedora.com/

La pose contrapposto sert le même but que le sourire archaïque. Les deux ont été conçus pour donner à l'œuvre une illusion plus réaliste. Dans le cas du sourire archaïque, c'est presque comme s'il y avait un début de mouvement dans le visage et il en va de même du contrapposto qui semble que le corps est sur le point de bouger.

Contexte : Le schéma et la correction jouent un rôle important dans ce travail. Il existe des éléments dérivés des figures originales du kouros, tels que le pas en avant, la forme idéalisée et le sourire archaïque, mais Polykleitos s'appuie sur le naturalisme pour rendre la sculpture plus réaliste.

Puisqu'il s'agit d'une copie en marbre romain d'après l'original en bronze, cela en ferait une autre vue corrigée. Cette copie de l'ouvrage est la « correction » du « schéma » original des Grecs et son exactitude est donc remise en question. Les historiens et les Romains ont souvent appelé cet ouvrage le Canon. Cette œuvre a été conçue par Polykleitos pour être son canon ou son traité (un guide complet en quelque sorte) pour faire une sculpture parfaite. Malheureusement, ni sa sculpture ni ses textes écrits n'ont survécu, mais nous avons des descriptions romaines du texte et des copies romaines de la sculpture. Les Romains l'appelaient donc le "Canon". Le nom de cette sculpture est compliqué pour cette raison et d'autres.

On pense que le bronze original portait une longue lance et c'est de là qu'il tire son nom. Doryphoros en grec se traduit par "porteur de lance". Cette sculpture en marbre du Doryphore est une copie romaine du premier bronze original de Polyclète. Nous avons la chance d'avoir une sculpture réalisée en même temps que le Doryphoros original appelé bronze de Riace ou jeune guerrier de Riace (vers 460-450 avant notre ère) qui se rapproche de ce à quoi le Doryphoros original devait ressembler.


Comparez Doryphore et Auguste

Répondez à la liste de questions suivante (avec expansion) pour évaluer vos choix. Assurez-vous de présenter les œuvres que vous avez choisies.

- Quelle est la forme de l'œuvre ?
- L'œuvre d'art a-t-elle un objet ?
- Quel est le contenu ?

© BrainMass Inc. brainmass.com 5 mars 2021, 00:37 ad1c9bdddf
https://brainmass.com/art-music-and-creative-writing/ancient-and-medieval-art/compare-doryphoros-and-augustus-520867

Aperçu de la solution

J'ai choisi de comparer les deux premiers éléments répertoriés dans les ensembles de deux fournis pour vous permettre de choisir dans ce devoir. Si vous choisissez de rechercher une autre paire, utilisez cette solution comme modèle pour compléter votre comparaison des deux que vous choisissez à la place.

Le Doryphoros (Polykleitos, 450 BCE) Du site Web : http://www.artsconnected.org/resource/5851/the-doryphoros vient cette image : L'artiste est inconnu (définitivement), mais il a été attribué à Polykleitos (le bronze original à partir duquel cette copie en marbre a été réalisée), et alternativement, à un Grec, Apollonius d'Athènes (qui aurait créé la copie en marbre). Il a été sculpté entre 120-50 avant notre ère (cette copie et fait partie de la collection du Minneapolis Institute of Arts. Le bronze ORIGINAL est celui que le professeur voulait que vous utilisiez comme exemple GREC, mais cet original est perdu, et ces des copies de celui-ci, d'une époque postérieure, sont tout ce qui nous reste pour envisager l'œuvre grecque originale.
Ce site Web particulier (répertorié pour l'image) est un site éducatif particulièrement bon, et il contient de nombreuses informations sur cette œuvre, y compris des informations sur ses créateurs supposés d'artistes, ainsi que des analyses descriptives de sa construction, son équilibre et style artistique. Le contenu du site est copié et collé ici pour que vous puissiez le voir, si vous voulez en savoir plus et voir d'où viennent les réponses suivantes (ci-dessous) :

Le Doryphore du MIA, datant du Ier siècle av. et 440 av. par le sculpteur Polyclète. C'est la plus belle des cinq copies connues du corps entier de ce célèbre chef-d'œuvre qui ont survécu relativement intact.1 Représentant un athlète (ou peut-être Achille), cette figure harmonieuse et équilibrée avec des proportions idéalisées, typique de l'art de la période classique de la Grèce .
Cette réplique du Doryphore a été datée du 1er siècle av. en raison de la grande qualité du travail et de l'absence presque totale de forage, typique de cette période particulière. Le rendu des cheveux et la forme du support (le moignon) nous aident également à dater cette pièce car ils peuvent être liés stylistiquement à d'autres objets connus d'époques romaines spécifiques.

Les Doryphoros et autres copies romaines de la sculpture grecque sont extrêmement précieux car aucune sculpture en bronze réalisée par un célèbre artiste grec n'a survécu jusqu'à nos jours. Ces œuvres étaient souvent fondues en temps de guerre et le métal était utilisé pour fabriquer des armes. Les copies romaines nous fournissent donc la seule documentation visuelle disponible de la sculpture grecque classique. Avant que l'existence de notre exemplaire ne soit connue, la meilleure version était celle du Museo Nazionale de Naples (trouvée au Gymnase municipal de Pompéi). De plus, les Offices de Florence et le Braccio Nuovo du Vatican ont des versions fortement restaurées.

Provenance:
Le Doryphore du musée est connu des érudits depuis le début des années 1970. Notre musée l'a acheté à un marchand d'art en février 1986. Des preuves telles que les égratignures profondes sur le côté, qui résultent probablement d'un passage de charrue, et les marques sur les joues et les bras provenant des racines des plantes, suggèrent qu'il avait été enterré dans le sol pendant des siècles. La sculpture a été réassemblée à partir des six pièces dans lesquelles elle a été trouvée.

Restauration et état du Doryphoros :
Le Doryphoros de MIA est dans un état exceptionnellement bon. Toutes les cassures sont anciennes à l'exception du bras gauche, et la tête n'a jamais été cassée. La restauration de la sculpture a été minime : une broche en acier a été insérée dans le tronc de l'arbre qui soutient la jambe droite, et la sculpture a été réassemblée à partir des six pièces dans lesquelles elle a été trouvée : le torse de la tête aux genoux, les deux mollets , le pied gauche, le tronc et la base de l'arbre, le pied droit et la base, et la zone du bras gauche entourant la courbure au niveau du coude. Le bout de son nez est cassé, et il a perdu son avant-bras et sa main gauche (qui tenaient la lance), l'avant du pied droit avec la section du socle, le pénis et les extrémités des doigts de la main droite . L'indentation rectangulaire sur la hanche gauche montre où la jambe de force qui allait à l'avant-bras gauche a été rompue. Les bras, les jambes, le torse et le support du tronc d'arbre à la jambe droite présentent des décolorations et des stries profondes dans le marbre, et il y a de faibles incrustations d'algues brunes sur ses jambes et son torse.

Fond:
Deux événements historiques importants, la guerre de Perse (au début du Ve siècle av. J.-C.) et l'unification temporaire de la Grèce par Philippe II de Macédoine (338 av. civilisation. Sous Périclès (qui fut élu pour la première fois général en chef en 461 av. J.-C.), Athènes devint le centre politique, culturel et commercial du monde occidental. La fierté, la conscience de soi et la confiance des Grecs à l'époque classique se reflètent dans les paroles de Périclès lors des funérailles publiques des héros tombés au combat lors de la guerre du Péloponnèse :

"Les âges futurs s'émerveilleront de nous, comme l'âge présent s'émerveille de nous maintenant."

À l'époque classique, le Parthénon a été construit, Eschyle a mis en scène son premier drame, Hérodote a écrit l'histoire des guerres perses et la démocratie a été établie comme forme de gouvernement. La philosophie de l'humanisme s'est développée, une philosophie qui a souligné l'importance de l'individu dans la société. Sophocle a écrit,

"Le monde est plein de merveilles, mais rien n'est plus merveilleux que l'homme."

L'homme idéal possédait non seulement un corps parfait, mais un esprit parfait. At the festivals, such as the Olympic Games at Olympia and the Pythian Games at Delphi, prizes were awarded not only to the best athletes, but to the best poets, orators, dancers, and musicians as well. Through scientific observations of nature, the concepts of harmony and balance achieved through symmetry and correct proportion became the basis of Greek philosophy. The search for ideal beauty and perfection manifested itself in all areas of life including the visual arts.

The Parthenon on the Acropolis summarized the Greek ideals of harmony and rational order in architectural forms. Polykleitos codified these ideals in sculpture. The Doryphoros exemplifies Polykleitos' Canon (rule) of ideal proportions. The Doryphoros combines the naturalism of the human body, at rest and in motion, with an idealization, based on theoretical perfection. Because the Doryphoros so completely embodies Greek ideals, it has remained, over time, the primary image of Classical Greece.

Given this degree of perfection, it is not surprising that the Romans adopted the pose of the Doryphoros and other Greek statues as models for their own sculpture. Before the end of the 3rd century B.C., the Romans had begun to collect Greek statues. After Rome absorbed Greece into its empire in 146 B.C., increasing numbers of Greek originals were acquired by Romans. According to some accounts, nearly 500 statues were robbed from the sanctuary of Delphi alone.

Because many wealthy Roman aristocrats wanted sculpture for their townhouses and country villas, the demands for Greek sculpture were greater than the supply. The demand created a thriving industry that provided replicas of and variations on famous Greek originals. Roman copies were considered works of art in their own right, as the Romans were more concerned with how the ideal qualities conveyed by the original could be translated into Roman terms than with honoring the more modern idea that a work of art must be the result of individual genius. Most of these replicas were actually made by Greek artists living in Greece or the Greek cities on the coast of Asia Minor, or by Greek artists working in Rome.

During the Imperial period, beginning with Emperor Augustus, Greek sculpture was produced for political reasons, as well. Roman rulers recognized the potential of the arts to promote the ideals of their administrations, particularly as the basis of propaganda related images of Imperial power. It became common Roman practice to make full-length portrait statues by topping a body that was copied from a Greek original with a specific portrait head. In contrast to the timeless quality of their Greek models, the Romans made commemorative sculpture that depicted specific people and events. Over time, the Roman adaptation of Greek sculpture resulted in the new art form of portraiture that signified the importance of ancestry to the Roman patrician families. By depicting real individuals, the Greek ideal gave way to Roman realism that emphasized actual physical appearance as well as the character of the individual portrayed.

Whereas Greek art was overwhelmingly public, Roman art was generally commissioned for private villas and townhouses, even when the commission was a direct copy of the Greek original like the MIA's Doryphoros.

Polykleitos:
The two prominent names in the study of Classical Greek sculpture are Phidias (the master sculptor who planned the decorative program of the Parthenon and is renowned for his cult statues of Athena and Zeus) and Polykleitos, famous for his sculptures of victorious athletes. Little is known of the life of Polykleitos. He lived during the latter half of the 5th century B.C. (approximately 450-405 B.C.), and was from the Greek city-state of Argos in the eastern Peloponnesus. Polykleitos worked chiefly in bronze and became the most influential sculptor of the Peloponessian school. He wrote a treatise on art called the Canon and created the bronze sculpture of the Doryphoros to demonstrate his theories. Both the treatise and the sculpture are referred to as the Canon.

The Doryphoros is Polykleitos' most famous work. Although about 20 of his statues are recorded in ancient sources, none of his original works has survived. The Doryphoros has been called the most copied statue of antiquity. It was certainly among .

Solution Summary

A description of two sculptural works, the Greek Doryphorus (lost), known to us only through later copies, and the Roman Augustus of Primaporta. This solution includes a discussion of the style and content, as well as content from two reference web-based resources, from which answers and comparisons are made.


The menisci are made up of fibrous crescent shaped cartilage. The medial meniscus is attached to the tibia on the inside of the knee and the lateral meniscus is attached to the tibia on the outside of the knee. The menisci sit on top of the tibia which allows the weight bearing force to be spread across a larger area and not have that pressure concentrated on one specific area (Scuderi and Tria, 2010). The menisci’s specific structure of a shallow shaped socket for the femur to sit in is another factor that helps stability. The menisci also help the articular cartilage from wearing away at the friction points because it is able to spread that weight bearing across the structure (Marieb & Hoehn,&hellip

They were proud of their victory and even compared it to the Athenian victory over Persians. They even dubbed themselves the new Athens. They constructed a great altar engraved in sculpture showing the battle between the gods and the giants for their god Zeus. This was very similar to what Athenians had done centuries before. The sculpture of Zeus body was similar to that of Poseidon that was located at the west pediment of Parthenon (Hurwit, The Parthen and the Temple of Zeus at Olympia).&hellip


Gibby's AP Art History

Mckenna
Form-The original figure was made of bronze.
Function- This piece of art was a Roman copy, created to represent a Greek statue.
Content- The figure is represented in the nude.
Context- Was found in Pompeii in a place for athletic training.
Artistic intent- Was to represent the ideal male figure.
Change/Tradition- Unlike earlier Greek statues which were very rigid, this statue demonstrates Contrapposto a more balanced and relaxed way to create a figure.

Form: The Roman copy was made of marble
Function: Showcases the beauty of the human body
Content: alternating tense and relaxed elements of the body
Context: One of the most copied Greek sculptures, Romans copied it.
Tradition/Change: Considered a canon for classical form, the general rule for beauty and form
Audience Response: Was viewed with admiration because he was supposed to represent the ideal Greek man who all Greeks aspired to be

form- life sized sculpture
function-to be uses as a reference for other artists
content- standing in contrappasto
context- polyklietis canon
tradition/change- the canon was eventually made so the head was 1/8th of the body
audience response- held in high regard for being the "perfect sculpture"


Editorial Reviews

Revoir

&ldquoThis is an essential text for the classical archaeologist/ art historian or for anyone who has seen and admired any of the Doryphoroi.&rdquo&mdashVernon Hyde Minor, International Journal of the Classical Tradition

&ldquoThe rich and varied fare offered in this volume does honor both to the Minneapolis Doryphoros and to the methodologies, traditional and new, which can be brought to bear on ancient art and culture.&rdquo&mdashGuy P. R. Métraux, Phoenix

&ldquoThe wealth of photographs and meticulously documented essays make this book the first place to consult upon initiating any further research into the diverse aspects of Classical art treated by the contributors.&rdquo&mdashRobert Steven Bianchi, Religious Studies Review

About the Author

Warren G. Moon (1945&ndash93) was professor of art history and classics at the University of Wisconsin&ndashMadison. He is editor of Ancient Greek Art and Iconography , also published by the University of Wisconsin Press, and coeditor, with Louise Berge, of Greek Vase Painting in Midwestern Collections .


Difference between Polykleitos Doryphoros (Statue A) and Portrait of Augustus (Statue B) Objective Differences: Statue A:DoryphorosArt through the hands of Polykletious of Argos have been considered mystic pieces of historical Roman regalia. ‘Doryphorus’ or ‘Spear Bearer’ has been an epic piece of art in Roman history inspired from ancient Greek art. Produced in 440-450 B.C this marble replica of Greek Bronze sculpture depicts Greek imitation of masculine beauty in Rome (Learner.org, 2014).

Doryphorus aimed to represent the notion of perfection through masculine beauty. As Romans were highly inspired by Greek art and tried to imitate them in all walks of life. The sculpture was crafted to produce an everlasting impression of Roman masculine beauty (idealized by every man) through Greek techniques of sculpturing and meticulously measured body parts.Statue B: Augustus of Prima PortaThe sculpture of Augustus of Prima Porta was an ideological depiction of Caesar’s adopted son Augustus in 20 B.C. Though, Augustus was middle age when he won against ancient rival Parthian, but the status represents a prefect version of Roman victor.

Unlike Doryphoros, which shows the perfection idealized by Roman male citizens, Augustus through his portrait intended to proclaim his authenticity as Athens supreme ruler and progeny of God. Objective similarities:Statue A: DoryphorosThe mathematical formula devised to measure all the body parts into equal proportions was known as ‘Canon’. Canon was supposed to depict equality and harmony through calculation, which intended to show perfection in human facial features and figure and to emanate aesthetic aura of male precision.

Doryphoros contains canon/ rule of perfection by all means.Statue B: Augustus of Prima PortaThe portrait contains military regalia, which depict his designation as a commander, emperor and warrior. Perfection was the most obsessed idea by Romans hence, Augustus in the portrait depicts a perfectly youthful and athletic body of a ruler and warrior, who ruled for peaceful 200 years.Subjective Differences:Statue A: DoyphorusThere are no signs of armor or weapon to show that the sculpture was produced to show military power or warrior in battlefield.

However, Doryphoros is nude and with nudity it represented beauty and perfection in Rome since, nudity was considered a sign of civilization in Greek and Roman history. Ancient Romans were fanatical about perfection though they did understand that perfection was an inaccessible idea. Doryphorus meant to depict an aesthetic view of every Roman man, its facial features and body parts show perfection and this perfection was idealized by Romans. Statue B: Augustus Prima PortaThe self-supporting marble sculpture of Augustus the ruler is accessorized with armour on which 200 year Pax Romana history is inscribed in illustrations.

Moreover, he has cupid next to him who is a son of Venuse riding on the dolphin. This symbolic representation was devised by Augustus to show that he is a descendant of God and he has all the support of super natural on his side. Subjective Similarities:Statue A: Doryphorus The equal proportions and balanced end results for perfections were known as symmetry to Greeks and thus, Polykletious took significant care of body proportion in a manner that his body weight is rested on right leg. The left foot is slightly bent which gives a shift to right hip and in the due process left hip is downwards.


Scriptario

“DORYPHOROS” (“Lance Bearer”) depicts an athlete with a javelin in his hand. In this Roman copy, preserved in the Archaeological Museum of Naples, there is no lance that was held by the left hand and rested on the shoulder.
The style of POLYKLEITOS is essential: the volumes have a clear definition, without however falling into geometric simplification, and there is a lack of superfluous surface finishings. In some ways it is a statue that reveals a clear origin from the previous sculptural Doroc examples.


A modeled, therefore, essential, but combines a balanced search for proportions. The body is carefully studied, not so much in its anatomical particularities, but above all in its measurements. What Polykleitos tends to is a perfect body as a whole: every single part is at all like it would be in a real human body, ideally perfect. In practice, his search for perfection is precisely in dialogue and in the comparison between the real and the ideal. Real is the starting point: the ratios at the base of its fee are detected by real measures carried out on human bodies ideal is the effect to which it tends: discarding any defect that, although minimal, is always present in every single individual, the statue becomes an ideal of human perfection superior to reality itself.But this statue also highlights, in a wonderful way, the new position that he invented for the standing statues: the chiasm. The term “chiasmus” derives from the Greek letter X (which in Greek is pronounced “chi”) and indicates an arrangement in which the parts create an intersection. In the case of the Policleto statues, the crossed arrangement is between the lower limbs and the upper limbs.


An analysis of the Doryphoros (Polykleitos, 450 BCE) and Augustus of Primaporta (c. 20 BCE)

An analysis of the Doryphoros (Polykleitos, 450 BCE) and Augustus of Primaporta (c. 20 BCE)

The Doryphoros is a Greek bronze sculpture made at around 450 BC. The sculpture, which the shows the perfectly harmonious and balanced proportion of the human body was made by Greek Sculptor, Polykleitos. Augustus of Primaporta is a Roman bronze sculpture that was made in 20 BC. The sculpture is 7 ft/ (2.08M) tall shows a young man in military uniform. There are a number of similarities and differences between the two sculptures.

A number of similarities exist between the tow sculptures. For instance, both sculptures are made of bronze and demonstrate the ideal nature of human proportions. The two structures feature barefoot men, which symbolizes or illustrates their divine status. The fact that the sculptures are barefoot also shows that they are made in honor of heroes in their society. Both are holding spears in their left hands. Doryphorus is naked while the Augustus of Primoporta is semi-naked. This illustrates the effort of the society in which they were made to search for harmony and beauty. Both sculptures are made of strength, harmony and beauty. The structures illustrate the perfect and flawless nature of leaders in society who had capacity to control what to control and stabilize society

There are also a number of differences between the two sculptures. For instance, Augustus of Primaporta has its hand raised as if he is giving a speech while Doryhporus has his hand lowered and he is walking. Another difference is in the intent that encouraged their making. Polyteikus made Dolyphorus was to illustrate the “Canon”=”rule” which stated that mathematical terms can be used to explain the relationship between the parts of the body. For instance, Polykleitos aimed to show that the head is one seventh of the body. On the other hand, the Sculpture aimed to illustrate the perfect leader in society.

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Voir la vidéo: The Kanon of Polykleitos


Commentaires:

  1. Lamorat

    Vous avez tort. Je peux défendre ma position.

  2. Vishicage

    Aujourd'hui, je lis beaucoup sur ce sujet.

  3. Sagul

    C'est plus qu'un mot !



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