Taureau agenouillé tenant un navire

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Agenouillé Bull Holding Vessel - Histoire

Taureau agenouillé tenant un navire à bec

Taureau agenouillé tenant un navire à bec
Période : Proto-Élamite
Date : env. 3100-2900 av.
Géographie : sud-ouest de l'Iran
Culture : Proto-Élamite
moyen : argent
Dimensions : 6 7/16 x 2 1/2 x 4 1/4 po. (16,3 x 6,3 x 10,8 cm)
Classification: Métallerie-Sculpture
Ligne de crédit : achat, legs Joseph Pulitzer, 1966
Numéro d'accession : 66.173 Le Metropolitan Museum of Art

Taureau agenouillé tenant un navire à bec
Peu de temps après les transformations politiques de la période d'Uruk dans le sud de la Mésopotamie, des innovations similaires - y compris l'écriture et les sceaux cylindriques, la production en série de céramiques standardisées et un style d'art figuratif - se sont développées autour de la ville de Suse dans le sud-ouest de l'Iran, une région dans laquelle le la langue prédominante était l'élamite. Alors que la plupart de ces innovations ont été adaptées à partir d'exemples mésopotamiens, elles ont toutes revêtu des caractéristiques élamites distinctives en Iran.

Ce petit taureau d'argent, vêtu d'une robe ornée d'un motif à gradins et tenant un vase à bec, montre un curieux mélange de traits humains et animaux. Le grand cou rencontre des épaules distinctement humaines, qui se rétrécissent en bras qui se terminent par des sabots. Les représentations d'animaux dans des postures humaines étaient courantes dans l'art proto-élamite, peut-être en tant que symboles de forces naturelles, mais tout aussi probablement en tant que protagonistes de mythes ou de fables. La fonction de ce petit chef-d'œuvre reste incertaine. Des traces de tissu qui ont été trouvées apposées sur la figure suggèrent qu'elle a été intentionnellement enterrée, peut-être dans le cadre d'un rituel ou d'une cérémonie.

Commentaires

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[OS] Taureau agenouillé tenant un récipient à bec. Culture proto-élamite (Iran actuel). Vers 3100-2900 av. [2652x3722]

Étiquette : Peu de temps après les transformations politiques de la période d'Uruk dans le sud de la Mésopotamie, des innovations similaires, notamment l'écriture et les sceaux cylindriques, la production en série de céramiques standardisées et un style d'art figuratif, se sont développées autour de la ville de Suse dans le sud-ouest de l'Iran, une région de dont la langue prédominante était l'élamite. Alors que la plupart de ces innovations ont été adaptées à partir d'exemples mésopotamiens, elles ont toutes revêtu des caractéristiques élamites distinctives en Iran.

Ce petit taureau d'argent, vêtu d'une robe ornée d'un motif à gradins et tenant un vase à bec, montre un curieux mélange de traits humains et animaux. Le grand cou rencontre des épaules distinctement humaines, qui se rétrécissent en bras qui se terminent par des sabots. Les représentations d'animaux dans des postures humaines étaient courantes dans l'art proto-élamite, peut-être en tant que symboles de forces naturelles, mais tout aussi probablement en tant que protagonistes de mythes ou de fables. La fonction de ce petit chef-d'œuvre reste incertaine. Des traces de tissu qui ont été trouvées apposées sur la figure suggèrent qu'elle a été intentionnellement enterrée, peut-être dans le cadre d'un rituel ou d'une cérémonie.


Contenu

Les humains ont également hérité de la coutume du comportement de soumission. L'agenouillement a été répandu dans le comportement religieux. Il a été utilisé comme une forme de prière et un moyen d'adorer ou de vénérer des divinités et des entités surnaturelles. Britannica définit le but de l'agenouillement comme de placer les mains vers le haut vers le ciel tout en plaçant les genoux vers le bas et plus près du monde souterrain. [6] L'agenouillement a pris de nombreuses formes et styles différents au fur et à mesure que différentes cultures et institutions l'ont adopté.

Judaïsme et Islam Modifier

S'agenouiller est une façon de prier à la fois dans le judaïsme et dans l'islam, cependant, la façon la plus répandue de prier dans le judaïsme est de se lever et d'accomplir la Amida. [7] L'agenouillement dans le judaïsme est réservé aux pierres d'agenouillement spécifiques qui sont devenues obsolètes. [8] Les deux confessions pratiquent également un type de prosternation à genoux qui implique tout le corps, y compris la tête, Qidah en hébreu et Sajdah en arabe. [9] Cela implique de se mettre à genoux et d'étendre vos mains sur le sol jusqu'à ce que votre front soit également contre le sol. Parfois, les disciples vont jusqu'à s'allonger complètement sur le sol au lieu de s'agenouiller.

Dans l'Islam en particulier, s'agenouiller ou se prosterner se fait généralement sur des tapis de prière dédiés qui sont traités particulièrement avec soin. [10] Bien que commun pour l'islam, il existe également un tapis de prière dans le judaïsme en conjonction avec la fête de Yon Kippour. Cette fête est l'une des rares fois où il est de coutume de prier à genoux dans le judaïsme sur le tapis. [11]

Christianisme Modifier

L'histoire de l'agenouillement n'a pas toujours été que c'est une pratique respectueuse. De nombreux philosophes anciens pensaient que s'agenouiller était en fait barbare et très irrespectueux. [12] Ce n'est qu'à l'époque médiévale que l'agenouillement bascule vers une pratique religieuse plus tolérable. [13] Des passages de la Bible montrent également que l'agenouillement est préféré aux autres formes de prière. Il est également mentionné dans le Nouveau Testament que « Et chaque fois que vous priez, ne soyez pas comme les hypocrites car ils aiment se tenir debout et prier dans les synagogues. » [14] Certaines églises peuvent utiliser un agenouillement dans les zones fréquentées afin d'indiquer où s'agenouiller ainsi que de fournir un certain niveau de confort pendant la prière.

Propositions Modifier

S'agenouiller est la position souvent associée aux propositions de mariage traditionnelles occidentales. Cette position implique généralement la personne qui propose de s'agenouiller avec un genou au sol, une position parfois appelée génuflexion, tenant une bague de fiançailles jusqu'à la personne à qui on propose. S'agenouiller dans un espace public devant un proche apparent suggère souvent une proposition à venir, et s'agenouiller est en effet généralement la position attendue lors d'une proposition publique. [15]

Bien que l'agenouillement soit considéré comme un style traditionnel de proposition, il y a peu de consensus sur ses origines historiques, et cela semble en fait être une coutume assez moderne. Des liens ont été établis avec l'agenouillement dans la société féodale européenne, où s'agenouiller devant un seigneur suggérait la servitude et la reddition. [16] L'imagerie médiévale représentait parfois un chevalier agenouillé devant une dame dans un acte d'amour courtois, suggérant que l'agenouillement comme forme d'expression romantique était similaire à la soumission donnée aux seigneurs. [17] S'agenouiller lors d'une demande en mariage a été suggéré comme une forme similaire de soumission.

Cérémonies de mariage catholique Modifier

Dans les cérémonies de mariage traditionnelles catholiques, il est de coutume que le couple s'agenouille devant l'autel, après la prière du Seigneur. [18] Les cérémonies de mariage catholiques se déroulent au sein d'une messe, et en tant que tels, le couple et les invités au mariage s'agenouillent à plusieurs moments de la cérémonie, selon la liturgie. Les couples reçoivent parfois des genoux pour se reposer à l'autel.

Au cours de la cérémonie, le couple peut participer au placement habituel du voile ou du Lazo, une corde placée autour des épaules du couple, dans laquelle ils s'agenouillent avec les deux genoux au sol tandis que les sponsors choisis placent un voile sur la tête de la mariée et les épaules du marié, ou faire placer le Lazo autour d'eux, afin de symboliser la liaison du mariage. Après le placement du Lazo ou du voile, le couple reste agenouillé pendant que le prêtre procède à la bénédiction nuptiale. [19]

La position agenouillée peut être utilisée de diverses manières lors de rapports sexuels. Un membre d'un couple peut s'agenouiller devant son partenaire afin de pratiquer une fellation pour l'autre. D'autres positions sexuelles impliquant l'agenouillement peuvent inclure la position communément appelée « levrette », dans laquelle un partenaire est accroupi à quatre pattes tandis que l'autre prend une position agenouillée, généralement avec les deux genoux au sol, afin de pénétrer le partenaire accroupi par derrière, ou diverses positions de conduite dans lesquelles un partenaire est agenouillé avec les deux genoux au-dessus de l'autre partenaire et est pénétré par le bas. [20]

BDSM Modifier

Le BDSM, se référant à la servitude, à la discipline, à la domination et à la soumission, et au masochisme, englobe une variété complexe de pratiques impliquant des relations interpersonnelles, typiquement de nature sexuelle, centrées sur la création d'une dynamique de pouvoir déséquilibrée. Le consentement est considéré comme de la plus haute importance dans une relation BDSM. [21] L'agenouillement est courant dans les pratiques BDSM comme moyen de montrer ou d'imposer la soumission à ou par le partenaire dominant. [22] Le rôle du dominant ou du soumis n'est pas exclusivement genré, bien que le genre puisse influencer la dynamique d'une relation D/s. Certains hommes qui servent de soumis aux femmes dominantes, par exemple, trouvent du réconfort dans l'action de s'agenouiller avec soumission pour une femme. [23]

Asie de l'Est Modifier

Il existe de nombreuses formes d'agenouillement en Asie de l'Est présentées dans leur vie quotidienne et leurs rituels quotidiens. Ceci est différent de la culture occidentale et des autres religions puisque ces rituels quotidiens ne sont pas nécessairement liés à leur religion mais plutôt à leur société et leur culture.

Japon Modifier

Deux formes d'agenouillement ou de prosternation dans la culture japonaise, Dogeza et Seiza.

Dogeza est une forme traditionnelle de salut respectueux pour reconnaître les supérieurs. Cette pratique consiste à s'agenouiller sur le sol en deux étapes, puis à se pencher pour toucher la tête au sol. [24] Cela peut aussi être pour exprimer des excuses ou tenter de bénir quelqu'un avec votre bonne faveur. Cette pratique est principalement une forme d'excuses formelles et profondément émotionnelles envers quelqu'un d'un rang plus élevé que vous au sein de la société. Il s'agit plutôt d'une forme plus ancienne de révérence, cependant, qui est tombée en désuétude. [25]

Seiza est une autre position japonaise à genoux qui fait référence à la façon traditionnelle de s'asseoir au Japon. [26] C'est une manière formelle de s'asseoir qui a été adoptée par le Japon après la période Edo. [27] Depuis, c'est devenu la façon traditionnelle de s'asseoir au sein du ménage et pour certains événements culturels. [28] Beaucoup d'événements culturellement significatifs et traditionnels dans la société japonaise impliquent des positions assises telles que des funérailles ou des goûters. [29] [30] Cette forme d'assise est cependant inconfortable pour ceux qui ne l'ont pas pratiquée depuis longtemps, c'est pourquoi les Japonais commencent généralement à pratiquer cette posture à un assez jeune âge. [31]

Chine Modifier

En Chine, il existe une forme de prosternation impliquant l'agenouillement appelée Kowtow. Kowtow est l'endroit où le participant s'agenouille puis s'incline ensuite sur le sol de sorte que son front touche le sol. [32] C'était une manière traditionnelle de montrer du respect en Chine. La traduction littérale du mot mandarin est « frapper la tête ». Tout ce processus consistait en trois genoux et neuf coups de tête, neuf étant importants puisqu'il s'agissait d'un numéro associé à l'Empereur. Cette pratique de se prosterner n'est pas nouvelle pour les Chinois, pas plus que le concept de s'agenouiller puisqu'ils se sont également assis à genoux pendant une grande partie de leur histoire. [33]

S'agenouiller dans la Chine ancienne Modifier

Dans la société chinoise ancienne, se prosterner, ou s'agenouiller, était courant chez les étudiants pour exprimer leur gratitude à leurs professeurs. Avant d'acquérir des compétences ou des connaissances, les étudiants ou les apprentis devaient s'agenouiller et s'incliner devant leurs enseignants pour montrer leur appréciation. Les élèves remercient d'abord l'enseignant puis manifestent leur attachement à l'apprentissage. Après le rituel, les enseignants exprimeront leur volonté d'enseigner et de transmettre des connaissances ainsi que des sagesses de la vie. [34]

Outre les élèves et les enseignants, les courbettes étaient également courantes chez les enfants et les parents. La jeune génération se prosterne également devant leurs parents pour montrer leur gratitude et leur appréciation. [35] Bien que le fait de s'agenouiller était considéré comme la plus haute expression du confucianisme pour la relation maître-apprenti et enfants-parents, ce comportement a suscité des controverses dans le monde moderne.

Genèse de l'agenouillement dans le rituel grec Modifier

S'agenouiller peut être un comportement genré dans le rituel grec. Dans les reliefs votifs classiques du grenier, presque tous les fidèles agenouillés sont des femmes. [36] La littérature grecque donne également des preuves similaires. Aucun homme ne s'agenouille dans la tragédie grecque, et dans la comédie grecque, seuls les esclaves s'agenouillent. Dans cette littérature, les gens s'agenouillent lorsqu'ils sont dans une situation horrible, et s'agenouiller est donc lié à la supplication pour le changement. Dans la plupart des cas, s'agenouiller est considéré comme un acte rituel de dernier recours qui a généralement lieu devant une statue de Dieu. [37] Il est également perçu comme un signe de soumission pour les personnes en position de victime. Il s'est avéré que dans le rituel grec, l'agenouillement n'est approprié que pour les femmes ou les esclaves. [38]

Équateur préhistorique Modifier

Des comportements d'agenouillement se sont également produits dans l'Équateur préhistorique. Des échantillons de squelettes préhistoriques de la côte équatorienne suggèrent des comportements ou des mouvements accroupis et agenouillés. Les signes osseux des articulations métatarsophalangiennes (entre les os métatarsiens du pied et les os proximaux) montrent que la surface articulaire de la tête des premiers os métatarsiens (situés derrière le gros orteil) s'étend sur la face supérieure. Du côté ventral, le bord de la zone articulaire est éloigné de la tige ou de la section médiane de l'os long. et se prolonge sur le côté latéral. [39] Toutes les preuves osseuses suggèrent une tendance à l'hyperdorsiflexion prolongée, ou une utilisation accrue des muscles de la partie antérieure du pied, qui est associée à une posture habituelle à genoux. De plus, l'aplatissement de la face ventrale sur le métatarsien implique des points de pression liés à l'agenouillement. [40]

Ethnicité et implications cinétiques des postures liées à l'agenouillement Modifier

Dans les cultures d'Asie de l'Est telles que le chinois, le japonais, le coréen et le vietnamien, les postures à haute flexion, y compris l'agenouillement et l'accroupissement, sont plus souvent utilisées dans les activités quotidiennes, [41] tandis qu'en Amérique du Nord, les gens s'agenouillent ou s'accroupissent moins fréquemment dans les activités quotidiennes, sauf pour pratiques professionnelles, religieuses ou de loisirs. Le style privilégié de ces postures à haute flexion diffère également selon les groupes ethniques. Alors que les Caucasiens ont tendance à fléchir l'avant-pied lorsqu'ils s'agenouillent ou s'accroupissent, les Asiatiques de l'Est sont plus susceptibles de garder le pied à plat sur le sol. [42]

Dans les deux styles courants d'agenouillement, l'agenouillement en flexion plantaire et l'agenouillement en flexion dorsale, la jambe avant peut subir un moment d'adduction et de flexion plus élevé, ce qui est associé à une augmentation des charges articulaires du genou. [43]

Chevaliers européens au Moyen Âge et maintenant Modifier

S'agenouiller est perçu comme un signe de soumission lorsqu'il est fait dans un cadre royal. L'un des contextes royaux les plus courants où l'agenouillement a lieu est lorsqu'une personne est anoblie. Lorsque la chevalerie a commencé en Europe au Moyen Âge, seuls les hommes pouvaient être chevaliers. Lorsqu'un changement a été apporté pour inclure les femmes, les femmes adoubées sont devenues des dames. [44] Lors de la partie rituelle d'une cérémonie religieuse de chevalerie au Moyen Âge, l'homme qui serait plus tard fait chevalier s'agenouilla devant un autel de chapelle avec une épée placée dessus. Pendant l'accolade, l'homme s'agenouillait ou s'inclinait devant un chevalier, un seigneur ou un roi pour être surnommé avec le côté plat d'une épée ou d'une main. [45]

Lorsqu'un chevalier s'agenouille devant la royauté, il proclame avec le geste qu'il se consacre à servir et à honorer le pays ou l'Église. Cependant, les cérémonies de chevalerie ne sont pas aussi rigides et exigeantes qu'elles l'étaient autrefois au Moyen Âge. Il y a eu quelques changements dans l'aspect de l'agenouillement qui ont rendu la cérémonie accessible à un nombre plus diversifié de personnes. Désormais, les cérémonies de chevalier ont généralement lieu avec l'investiture, un jour spécial où ceux qui ont reçu un honneur de la Couronne reçoivent leur prix en personne dans une résidence royale. Ceux qui sont présents pour être anoblis ne sont plus obligés de participer à toutes les sections expansives de la cérémonie de chevalerie du Moyen Âge. L'une des sections qui a été supprimée est l'individu agenouillé devant un autel de chapelle avec une épée placée dessus. L'individu doit toujours s'agenouiller devant le monarque pendant la distinction pour être doublé. Ils le font sur un tabouret d'investiture. [46] Alors que s'agenouiller est considéré comme un signe de respect et d'humilité dans les pays où il y a un monarque, il n'est pas considéré comme courant dans les pays où il n'y a pas de monarque. En raison de cette différence culturelle, l'agenouillement n'est pas requis pour les individus de ces pays lorsqu'ils sont adoubés. Par exemple, lorsque le général Herbert Norman Schwarzkopf Jr. a reçu un titre honorifique de chevalier de la reine Elizabeth II en 1991, il n'a pas eu à s'agenouiller lorsqu'il a été fait chevalier car il n'est pas un sujet britannique. [47] Quelques autres exceptions de ne pas s'agenouiller devant un monarque lorsqu'il est fait chevalier sont la vieillesse, l'incapacité physique ou les problèmes de santé. [48]

Interagir avec les redevances Modifier

S'agenouiller est un signe de révérence et de soumission lorsqu'il est fait envers la royauté lors de sa rencontre. Reconnaître correctement la Couronne est une période nerveuse pour certaines personnes qui rencontrent la royauté pour la première fois ou qui viennent d'un pays sans monarque. Ils veulent faire ce qui est approprié. Pendant le règne de la reine Elizabeth I, elle valorisait le fait de plier le genou d'un individu plutôt qu'un engagement verbal en tant qu'acte de loyauté. Ceux qui se conformeraient, comme l'un de ses courtisans préférés Blanche Parry, seraient récompensés par la proximité avec la Couronne et d'autres dons politiques. [49] Cependant, la famille royale britannique et la maison royale du palais de Buckingham n'exigent plus que les individus suivent les codes de conduite traditionnels lorsqu'ils saluent un membre de la famille royale. [50] Ils acceptent toujours les personnes qui souhaitent suivre les codes traditionnels, mais ils comprennent si un individu n'est pas à l'aise de s'agenouiller, entre autres gestes, en signe de soumission.

Placer un seul genou au sol (prendre un genou) peut avoir des significations différentes selon les sports et les situations. Dans certains sports tels que le hockey sur glace et le baseball, prendre un genou est un signe de respect et de solidarité lorsqu'un joueur de l'une des équipes ou un officiel est blessé au point qu'il a besoin ou peut avoir besoin d'aide pour quitter le terrain ou la glace. Dans ces cas, il est considéré comme approprié pour tous les autres joueurs (mais pas les officiels ou tout joueur assistant la personne blessée) de placer un genou au sol jusqu'à ce que la personne blessée soit hors du terrain ou de la glace.

Football américain et football canadien Modifier

Dans le football américain et le football canadien, l'agenouillement du quart-arrière peut être effectué pour mettre fin rapidement à un jeu et utiliser du temps sur l'horloge avec seulement une pénalité minimale. Ceci est particulièrement utile lorsque l'équipe offensive est en avance de quelques points et ne veut pas risquer un échappé ou autre turnover.

Toujours dans le football américain et le football canadien, tout joueur avec le ballon peut mettre un genou à terre pour mettre fin à un jeu ou pour indiquer qu'il n'a pas l'intention d'avancer plus loin avec le ballon.

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Durga subedi, Takma k.c et.al, Fondamental des soins infirmiers (fondation des soins infirmiers), premières éditions

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Agenouillé Bull Holding Vessel - Histoire

Fig. 1. Taureau agenouillé en argent tenant un récipient à bec, Iran, ca. 2900 AEC ("Proto-Elamite"). 16,3 cm de haut. Photo : reproduit avec l'aimable autorisation du Metropolitan Museum of Art, achat, legs Joseph Pulitzer, 1966, 66.173. (Cliquez pour agrandir)

Décor martelé en haut relief travaillé en repoussé est récurrent parmi les objets métalliques les plus spectaculaires provenant de sites de Crète et de Chypre, de la mer Égée et de la Grèce, et en Italie, occupés à la période orientalisante des VIIIe et VIIe siècles avant notre ère [1] Il est particulièrement caractéristique des boucliers de bronze du Grotte d'Idée en Crète [2], des ferrures éparses en bronze de harnais de cheval [3] et, surtout, des protomes martelés en tôle de bronze pour chaudrons réalisés le plus souvent en forme de têtes de griffon, mais comprenant aussi celles de taureaux, de lions et sirènes. [4] La rareté continue d'objets comparables provenant de fouilles contrôlées au Proche-Orient garantit une controverse persistante sur l'endroit où des objets particuliers ont pu être fabriqués et par qui, et sur ce qui appartient ou n'appartient pas à des écoles locales particulières de travail des métaux. [5] Mais il existe un accord sur l'origine proche-orientale de cette technique, puisqu'elle peut être retracée à des artefacts isolés de l'âge du fer provenant de fouilles en Syrie [6] et comprend des exemples portant des inscriptions sémitiques occidentales parmi ceux trouvés en Occident. [7]

Cependant, ces objets sont tous décorés d'accessoires pour harnais de cheval. Ils ne jettent aucune lumière directe sur l'origine ultime des protomes martelés. Étaient-ils, ou du moins cette forme, d'origine proche-orientale ou était-ce un développement occidental de motifs orientaux séculaires déjà établis depuis longtemps à la fois en Orient et en Occident ? Cet article tente de retracer l'histoire de la décoration en haut-relief sur les récipients en tôle en Iran, la seule région du Proche-Orient où elle peut actuellement être documentée de manière plus ou moins continue depuis la fin de la préhistoire jusqu'à l'âge du fer.

Une telle enquête nécessite une première mise en garde. Un seul des objets discutés ici a fait l'objet d'un examen approfondi en laboratoire (voir note 9). Ainsi, des caractéristiques structurelles importantes ont été évaluées à l'œil nu, soit par l'auteur de la publication originale, soit par moi-même. La décoration repoussée est une technique par laquelle un dessin est martelé à partir du revers d'une pièce de tôle, de sorte qu'il apparaisse sur l'avers en relief de hauteur variable. Il est normalement exécuté avec un outil émoussé contre une surface souple. Le détail est ciselé ou gravé sur la surface.

1. Précurseurs élamites env. 3000-2250 AEC

La dextérité et la vigueur imaginative des métallurgistes iraniens dans le façonnage de la tôle sont apparentes très tôt, bien que son exemplaire le plus spectaculaire à ce stade n'ait aucune source enregistrée. Heureusement, son style et ses images sont distinctifs. Au Metropolitan Museum de New York, se trouve une figurine creuse en feuille d'argent représentant un bovidé assis dans une attitude humaine tenant un vase à bec (fig. 1). [8] Il est typique du style et de l'imagerie, sur les sceaux cylindriques et dans la petite sculpture en pierre, de la période protoélamite, ca. 3100-2750 avant notre ère, lorsque, pendant une brève période, les animaux dans les attitudes humaines jouissaient d'une popularité très rarement rencontrée par la suite. "La figurine creuse est composée de quinze, et peut-être dix-sept, pièces d'argent plat qui ont été roulées dans des formes arrondies approximatives, une écharpe jointe en chevauchant le métal, puis soudée le long des genoux. Bien que la forme générale n'ait pas été exécutée par soulèvement, il y a des marques d'outils à l'intérieur du corps et de la tête. » [9] Cette figurine illustre deux caractéristiques durables du travail du métal iranien : une fine sensibilité dans le rendu des formes animales, souvent touchée par une certaine fantaisie. , et une maîtrise technique du modelage que ce soit, comme ici, dans le travail de la tôle avec un marteau et un outil émoussé ou, comme ailleurs, dans la réalisation de modèles en cire pour la coulée.

Fig. 2. Bol en alliage de cuivre décoré d'un lion attaquant un taureau, Tepe Hissar, Iran, ca. 2200-2000 AEC 25,5 cm de diamètre. Photo : reproduit avec l'aimable autorisation de l'University Museum, Université de Pennsylvanie. (Cliquez pour agrandir)

Vrai repoussé La technique est évidente dans un autre récipient en argent sans provenance sûre, attribué à Fars, au musée archéologique de Téhéran. [10] Il s'agit d'un grand cylindre avec une inscription linéaire en élamite dans une bande encerclant juste en dessous du bord. D'un côté en haut repoussé se tient une femme vêtue d'une robe richement molletonnée sur l'autre une femme vêtue de la même manière, mais avec un triple collier proéminent, s'accroupit sur le bord inférieur. Leurs vêtements aux riches motifs, avec des détails ciselés ou gravés en surface, introduisent un autre trait qui devait être récurrent dans la tôlerie iranienne. Les surfaces corporelles, notamment des animaux, sont richement modelées avec des élaborations de formes naturelles ou dans des dessins géométriques formels. L'imagerie des sceaux cylindriques trouvés dans les fouilles de Tepe Malyan (ancienne Anshan) dans le Fars indique que ce récipient en argent appartient à ce qui a été défini comme la phase Kaftari dans la capitale élamite, dans le dernier quart du troisième millénaire avant notre ère [11]

2. Une tradition de l'âge du bronze ancien : Shahdad et Hissar ca. 2250-2000 AEC

A cette époque, lorsque la première base archéologique solide pour l'étude de la décoration en haut-relief sur

navires en Iran devient disponible, la technique était utilisée par des artisans travaillant le cuivre, répondant à une demande plus large que celle des cours ou des temples auxquels les exemples en argent que nous venons de décrire avaient satisfait. À cette époque, la technique est documentée par une série de bols circulaires peu profonds avec des fonds plats larges et des côtés verticaux bas, légèrement évasés. Sur les fonds, des motifs ont été relevés en martelant le métal par le bas afin que les motifs apparaissent en divers degrés de relief à l'intérieur du bol. Il y a plus de cinquante ans, un exemplaire de ce groupe de récipients en cuivre a été trouvé dans le « Burnt Building » à Tepe Hissar, dans le nord-ouest de l'Iran, attribué au niveau IIIB (fig. 2). Il était associé à des vases unis en or, argent et cuivre. [12] Au centre du fond, un lion se nourrit d'un taureau. Le lion est rendu avec son cou et sa tête en haut relief tridimensionnel, tandis que le reste de son corps et le taureau sont en bas relief. Pendant des années, à l'exception d'un exemple attribué au « Luristan » dans la collection David Weill [13], ce bol était un témoin isolé de l'habileté des orfèvres iraniens à utiliser des feuilles de cuivre à la fin de l'âge du bronze ancien.

Puis, lors de fouilles à Shahdad, à 120 kilomètres au nord-est de Kerman, à la fin des années 1960 et au début des années 1970, un certain nombre d'exemples de bols comparables ont été récupérés dans des tombes attribuées au dernier quart du troisième millénaire avant notre ère [14] Les dessins zoomorphes sur le bols, et sur un certain nombre d'autres circulant sur le marché des antiquités, comprennent des animaux de proie, des bovidés, des cervidés, des poissons, des serpents et des oiseaux un aperçu de cet amour des motifs puisés immédiatement dans le monde naturel caractéristique des artisans de l'Iran antique. La hauteur de ces dessins varie, atteignant parfois un effet tridimensionnel complet, comme avec le bovidé couché sur le bol de la collection David Weill (aujourd'hui Louvre AO 24797), d'autres fois s'élevant à peine au-dessus du niveau de la base, comme avec poissons nageant sur un bol de Shahdad. [15] Dans certains cas, les yeux étaient incrustés de pierre. Si, comme Amiet l'a soutenu, [16] le bol Hissar était une importation des ateliers de la région de Kerman ou si la production de tels bols était plus largement répandue dans le centre et l'est de l'Iran est une question ouverte. Certes, il n'y a actuellement aucune preuve fiable que de tels navires soient fabriqués dans l'ouest de l'Iran, ou au-delà en Mésopotamie.

Fig. 3. Cuirasse en alliage de cuivre pour un cheval, Hasanlu (niveau IV), Iran, ca. 900-800 avant notre ère 42,8 x 20,2 cm. Photo : reproduit avec l'aimable autorisation de l'University Museum, Université de Philadelphie. (Cliquez pour agrandir)

Cependant, la situation plus à l'est peut être révélatrice d'une fabrication dans un certain nombre d'ateliers sur une vaste zone. Il existe des exemples de ce type de bol dans la littérature, de sources inconnues, [17] qui présentent des traits stylistiques distincts de ceux retrouvés dans les tombes de Shahdad. Ils peuvent être plus facilement mis en correspondance avec des dessins sur des navires, en métal et en pierre, qui proviendraient de tombes pillées en Afghanistan (Bactria ").[18] Une ou deux routes terrestres pour les échanges à longue distance, toujours restreintes par des obstacles naturels dans cette partie du monde, reliaient à cette époque Kerman à la fois au nord-est de l'Iran et aussi, plus à l'est, à la Bactriane, source de précieuses pierres semi-précieuses et des métaux comme l'or, l'argent et l'étain. Les systèmes d'échange actifs à la fin du IIIe et au début du IIe millénaire avant notre ère ont facilité la diffusion de l'information artistique et technologique autant que le passage des matières premières semi-transformées et des produits manufacturés, expliquant en grande partie la gamme inhabituellement étendue de traits interculturels à cette époque. [19]

3. Traditions de l'âge du fer : Marlik, Hasanlu et "Ziwiyeh" ca. 1350-700 AEC

Malheureusement, les connaissances archéologiques de cette vaste région de l'est de l'Iran et des régions adjacentes aux âges du bronze moyen et final restent minimes, de sorte qu'il n'est pas encore possible de retracer le développement des techniques artisanales localement jusqu'à l'âge du fer. La métallurgie de l'ouest de l'Iran à cette époque est également relativement méconnue par rapport à ce qui l'avait précédé au IIIe millénaire et à ce qui allait suivre à l'âge du fer. Cependant, des références textuelles peuvent indiquer la prédominance des récipients en tôle en Iran sur lesquels la décoration en haut-relief a continué à être populaire. Dans les textes du palais de Mari sur le Moyen Euphrate en Syrie datant du XVIIIe siècle avant notre ère, il y a des références à des récipients à boire en métal en forme de têtes d'animaux, "of Turc," indiquant leur origine ou un style associé à Turc. [20] Bien documentées à l'âge du fer, les rhytes à tête d'animal en métal survivantes sont rares à l'âge du bronze, bien que les versions en poterie ne soient pas rares dans toute la région. [21] L'emplacement exact de Turc n'est pas connu avec certitude, mais il se trouvait en Iran, peut-être quelque part dans le nord-ouest du pays avec un accès à la "Grande route du Khorasan", la principale route terrestre pour le commerce entre l'Est et l'Ouest. Au troisième millénaire avant notre ère, Turc était réputée en Mésopotamie comme source d'or et de lapis-lazuli et à la fin du deuxième millénaire avant notre ère pour ses ornements personnels en or et ses textiles. [22]

Il est possible que les remarquables vases en métaux précieux trouvés à Marlik Tepe lors des fouilles de Negahban en 1961-1962 [23] soient un aspect plus tardif du répertoire encore non identifié des orfèvres en Turc. Quoi qu'il en soit, ces vases illustrent l'éventail des décors au repoussé courant du fer I au passage du fer II au III (vers 1350-700 av. J.-C.) dans l'ouest de l'Iran. Leur chronologie reste controversée en l'absence d'une publication systématique des groupes de tombes fouillés. Les comparaisons stylistiques [24] et les preuves de sceaux cylindriques associés [25] indiquent ensemble qu'un premier groupe appartient au fer I, commençant dans la seconde moitié du XIVe siècle avant notre ère, tandis qu'un dernier appartient au premier quart du premier millénaire. BCE Ces comparaisons mettent également en évidence les influences culturelles variées sous lesquelles les fabricants ont travaillé, au moins pour le groupe antérieur, lorsque les caractéristiques du Moyen-Élamite, du Moyen-Assyrien et du Kassite, ainsi que les traits locaux, sont évidents dans leur style et leur imagerie, expliquant pourquoi il est pratiquement impossible, en l'absence de navires comparables venus d'ailleurs, de décider s'il s'agit d'importations en provenance d'Occident. Le poids actuel de la preuve favorise la production en Iran pour tous.

Fig. 4. Vase en alliage de cuivre à décor de frises animalières, Suse, Iran, ca. 1200-1000 avant notre ère 11,5 cm de haut. Photo : Reproduit avec l'aimable autorisation du Louvre, Paris. (Cliquez pour agrandir)

Dans les tombes qui peuvent être attribuées à Iron I à Marlik, il y a un ou deux vases pertinents pour cette étude. Le plus spectaculaire est un grand gobelet d'or de la tombe 26, décoré de taureaux ailés en pantalon de bélier, la tête tournée vers l'extérieur, rendu en haut relief, avec des oreilles et des cornes montées séparément. [26] De la tombe 52, qui contenait également des vases à bec sans pont typiques du fer I, sort un gobelet en or gravement endommagé sur lequel des démons ailés et des sphinx rampants sont représentés au combat, leurs têtes rendues en relief, mais ne dépassant pas de la surface comme dans l'exemple précédent. [27] Un bol en or décoré d'aigles aux ailes déployées menaçant les béliers passant a toutes les têtes rendues en haut-relief, bien que de nouveau pas autoportantes. C'était dans la tombe 36, un contexte chronologiquement controversé. Muscarella [28] a pris la fibule en bronze trouvée dans cette tombe pour indiquer que ce " n'a pas été fermé avant la fin du 8ème siècle, et peut-être au 7ème siècle avant notre ère " Howes-Smith [29] attribue un bol en or simplement décoré également trouvé dans ce tombe au IXe siècle av. L'autre.

La tombe 32 de Marlik contenait à la fois une coupe en or, décorée d'aigles debout, leurs têtes tournées vers l'avant pour se détacher de la surface, et un type très particulier de vase à bec en bronze, avec une frise de lions passant, leurs têtes faisant saillie aux trois quarts vue de la surface. Le bec sort de la gueule d'un lion, sa tête est rendue en trois dimensions. [31] Dans la même tombe se trouvaient des chaudrons en bronze et des récipients à bec de types parallèles au cimetière B de Tepe Sialk, suggérant une datation Iron II/III. [32] Pris ensemble, ces navires indiquent une mode étendue dans le nord-ouest de l'Iran avec laquelle de nombreux navires signalés sur le marché des antiquités au cours des trente dernières années ont été associés. Au moins un, dont l'authenticité n'a pas été sérieusement mise en doute, a des lions passant sur les côtés, leurs têtes attachées séparément et faisant saillie vers l'avant de la surface. [33]

Le groupe de navires le plus récent de Marlik est contemporain avec des exemples de décoration en haut-relief en métal de base du niveau de destruction de Hasanlu IVB, où le travail de repoussage est le plus spectaculairement évident sur une cuirasse en bronze pour un cheval, montrant la partie supérieure d'un casqué figure humaine se projetant dramatiquement entre deux taureaux, la tête tournée vers l'avant (fig. 3). Si tout est martelé à partir d'une seule tôle, c'est un chef-d'œuvre de l'art du repoussage, mais cela n'a pas encore été définitivement établi. [34] D'autres accessoires de harnais, vaisseaux, rhyta et boucles de ceinture en tôle de bronze affichent une utilisation récurrente du haut-relief pour donner une projection frontale dramatique. [35] Ce n'est que grâce aux quelques rhytes à tête d'animal survivantes que cette compétence avec la tôle peut être plus largement suivie dans l'ancien Proche-Orient aux VIIIe et VIIe siècles avant notre ère [36], alors qu'un certain nombre de centres fabriquaient de tels navires.

Fig. 5. Gobelet en argent et or décoré de taureaux en haut-relief, Iran, source exacte inconnue, ca. 1200-1000 avant notre ère 12,9 cm de haut. Photo : Reproduit avec l'aimable autorisation de la collection Shelby White et Leon Levy (photographie de Sheldan Collins). (Cliquez pour agrandir)

La vitalité du goût pour les vases à frises animalières rendues en relief saillant dans tout l'Iran occidental s'illustre dans les fouilles de Suse par l'exemple le plus remarquable de tous, cette fois en bronze (fig. 4). Il est orné de deux registres. En haut, quatre bovidés couchés encerclent le vaisseau en bas, quatre chevaux ou onagres passant. Dans les deux cas, les corps sont représentés en haut-relief avec les cous et les têtes en saillie de la surface. [37] On ne sait pas exactement où dans les fouilles françaises à Suse ce navire a été trouvé, donc sa date est généralement fixée par sa similitude avec les navires en métal précieux trouvés à Marlik au début de l'âge du fer, mais s'il provenait d'un atelier dans le nord-ouest de l'Iran ou a été fabriqué à Elam reste incertain. L'apparition récente, à travers le marché des antiquités, d'un vaisseau en argent qui lui ressemble beaucoup, mais avec des taureaux passant au-dessus des taureaux couchés, et un petit pied de piédestal, ne fait pas grand-chose pour résoudre la question, [38] sauf que l'ajout d'une bande d'or en feuille séparée avec un double guilloché autour de la jante et une rosette à six pétales incisée sur la base sont des caractéristiques étroitement parallèle sur les vases d'or Marlik (fig. 5). Il est rapporté dans les deux cas que les têtes et les cous, travaillés entièrement en ronde-bosse, ont été fabriqués séparément puis habilement ajustés à la surface du navire.

Le musée archéologique de Téhéran possède deux têtes de griffon détachées en feuille d'or (7-8 cm de haut, 4,5 cm de large) et deux têtes de lion détachées en feuille d'or (5,6 cm de haut, 4,5-7 cm de large), qui ont été associées au célèbre "Trésor" de Ziwiyeh" depuis sa première publication. [39] Ils ont été identifiés par Ghirshman comme des accessoires pour un chaudron. [40] Jusqu'à présent, il n'y a aucune preuve de telles garnitures en tôle sur des chaudrons en Iran, bien qu'elles aient peut-être été attachées à des navires avec des motifs en relief et des têtes saillantes, comme ceux de Marlik. Leur date est une question ouverte quelque part dans le fer III (environ 800600 avant notre ère) semble la plus probable. Amandry [41] a attiré l'une de ces têtes de griffon dans le débat sur la source des têtes de griffon en bronze martelé trouvées en Occident, concernant le nombre de caractéristiques communes comme preuve solide d'une sorte de relation. " On conviendra que ces variantes de détail ne comptent que peu, en face de tant d'analogies fondamentales ."

C'est aussi Amandry [42] qui a noté l'importance des noyaux de bitume et de sable à l'intérieur d'un certain nombre de protomes martelés trouvés en Occident, le reconnaissant comme un trait oriental, et non occidental, identifié d'abord par Layard dans le Néo- Les bornes de bronze zoomorphes martelées assyriennes qu'il a trouvées à Nimrud. [43] Amandry cite une analyse d'un tel noyau : "fame d'une protome de lion, trouvée à Olympie, contient 27.60% d'asphalte, 31 % de sable, 10.14% de chaux, 4.87% de glaise, 2.67% de magnesie .» [44] Ce mélange, versé dans un liquide, servait à renforcer la tôle martelée à haut relief lors de son durcissement. Ce n'était pas un noyau sur lequel la conception a été formée. Des mélanges comparables ont été utilisés dans la rhyte à tête d'animal au Proche-Orient, dont certains au moins avaient une coupe intérieure enfoncée dans le bitume, mais les noyaux de bitume n'ont pas été observés dans le haut relief des gobelets et des bols d'Iran considérés ici.

Fig. 6. Cocarde à tête de lion en bitume avec incrustation de vermeil, Iran, source exacte inconnue, ca. 1400-1250 s.c. 8,3 cm de diamètre. Photo : Reproduit avec l'aimable autorisation du Louvre, Paris. (Cliquez pour agrandir)

Le bitume était cependant un matériau traditionnellement privilégié par les artisans du Khouzistan (Susiane), où il était localement disponible et utilisé sous diverses formes. Une série de cocardes décoratives "Moyen-Élamite" des XIVe ou XIIIe siècles avant notre ère trouvées à Suse et Haft Tepe, ainsi que dans des fouilles clandestines sur des sites inconnus, sont des exemples instructifs de bitume utilisé comme noyaux, avec le dessin découpé et ensuite plaqué avec feuille de métal d'argent ou d'argent doré. [45] Amiet rapporte une analyse de l'un de ces noyaux comme " un mélange appelé bitume sdiceux, qui diffère d'un 'mastic' par sa faible teneur en carbonate de calcium et par l'association du bitume pur a du sable fin .” [46] Un exemplaire du Louvre présente une tête de lion en haut-relief en son centre, entourée d'un cloisonné conception (fig. 6) [47] de telles têtes de lion devaient apparaître plus tard au centre d'épingles à tête de disque au Luristan [48] et comme bossages de bouclier en Assyrie et ailleurs, [49] formant un aspect distinctif de l'utilisation de hautes repoussé travail en Orient que l'on retrouve aussi dans les boucliers orientalisants de l'Occident. [50]

Irene Winter [51] a montré comment une « consonance de motifs suggère que non seulement à travers les médias, mais aussi à travers les régimes politiques du Proche-Orient ancien à cette période [du neuvième au huitième siècle avant notre ère], il y avait une culture partagée d'images appropriées associées à des classes d'objets. » Il y avait aussi une technologie partagée, comme l'illustrent les comparaisons entre la ferronnerie de Hasanlu IVB, des palais royaux d'Assyrie et de sites en Syrie et en Anatolie. Les produits des ateliers de cette vaste zone y transitaient sous forme de butin ou de tribut, d'échanges de cadeaux ou de marchandises échangées, dans le premier quart du premier millénaire avant notre ère, obscurcissant rétrospectivement les centres de production. Des exemples de ferronnerie fabriquée dans l'ouest de l'Iran ont certainement atteint la mer Égée à cette époque [52], mais il en a été de même pour beaucoup d'autres régions intermédiaires. Ce sont les deux traits mis en évidence ici, l'utilisation d'une décoration martelée en haut-relief sur les récipients en métal, y compris la fixation séparée de têtes tridimensionnelles, et l'utilisation de noyaux de bitume pour soutenir un relief exceptionnellement élevé, qui indiquent une connexion iranienne plus globalement que le survie aléatoire d'objets métalliques iraniens en Occident.

Je suis très reconnaissant aux personnes suivantes pour m'avoir aidé à obtenir des photographies pour cet article et pour l'autorisation de les reproduire ici : Annie Caubet (Paris) Robert H. Dyson, Jr. (Philadelphie) Prudence Harper (New York) Carlos Picon (New York ) Maude de Schauensee (Philadelphie).

[1] En général, voir J. Boardman, The Greeks Overseas (Londres, 1980/, pp. 64-71.

[2] Pour le récit principal, voir E. Kunze, Kretische Bronzereliefs (Stuttgart, 1931).

[3] . Pour une liste jusqu'en 1970, voir O.W. Muscarella, "Near Eastern Bronzes in the West: The Question of Origins" in Art and Technology: A Symposium on Classical Bronzes, éd. S. Doeringer et al. (Cambridge, Mass., 1970/, pp. 109-28, en particulier 116ff. voir aussi IJ Winter, "North Syria as a Bronzeworking Center in the First Millennium BC . . . . , " in Bronzeworking Centers of Western Asia c. 1000 -539 BCE, éd. J. Curtis (Londres, 1988/ (ci-après BCWA/, pp. 193-225.

[4] Pour l'étude de base, voir HV Herrmann, Die Kessel der orientalisierenden Zeit, Olympische Forschungen 6 (Berlin, 1966/ pour une discussion importante sur les protomes de griffon comme importations orientales, voir S. Fillippakis et al., "Bronzes grec et orientaux : Influences et apprentissages », BCH 107 (1983/, pp. 111-32.

[6] Voir H. Kantor, "A Bronze Plaque with Relief Design from Tell Tainat," INES 21 (1962/, pp. 93-117.

[7] Cf. H. Kyrieleis et W. Rollig, "Ein altorientalischer Pferdeschmuck aus dem Heraion von Samos," MDAI, Athenische Abteilung 103 (1988/, pp. 37-75 D. Parayre, "Apropos d'une plaque de hamais en bronze decouverte a Samos.. , " RAAO 83 (1989/, pp. 45-51.

[8] D. Hansen, "A Proto-Elamite Silver Figurine in the Metropolitan Museum of Art", Metropolitan Museum fournal3 (1970/, pp. 5-26.

[9] K. Lefferts dans Hansen, "A Proto-Elamite Silver Figurine," p. 15.

[10] W. Hinz, Altiranische Funde et Forschungen (Berlin, 1969/, pp. 11-44.

[11] Cf. P. Amiet, L'dge des echanges inter-iramens 3500-1700 avant J.-C. (Paris, 1987/, p. 157, pl. 110.

[12] E. Schmidt, Excavations at Tepe Hissar, Damghan (Philadelphie, 1937/, fig. 112 cf. R. H. Dyson et S. M. Howard, Tappeh Hesar : Reports of the Restudy Project 1976 (Florence, 1989/.

[13] P. Amiet, Collection David Weill : Les antiquités du Luristan (Paris, 1976/, n° 21 (planche couleur/ Amiet, L'dge des échanges inter-iraniens, p. 164, n. 7, cite d'autres exemples) du marché des antiquités.

[14] A. Hakemi, Catalogue de Pexposiition LutXabis (Shadad) (Téhéran, 1972/, nos. 252-53 (couleur planche/ A. Hakemi et SMS Sajjadi, "Gli scavi di Shahdad nel contesto della civilta delle oasi," in Battamana) : Una antica civilta delle oasi delle sabbie dell' Afghanistan, éd. G. Ligabue et S. Salvatore (Venise, 1988/, fig. 3 P. Amiet, "La civilisation du désert de Lut," Archeologia 60 (juillet 1973/, p 27 idem, "Antiquités du désert de Lut-II", RAAO 70 (1976/, p. 5, fig. 9.

[15] Hakemi et Sajjadi, "Gli scavi di Shahdad", fig. 3 restants.

[16] Amiet, Livre des échanges inter-iraniens, p. 164.

[17] H. Pittman, Art of the Bronze Age: Southeastern Iran, West Central Asia, and the Indus Valley (New York, 1984/, fig. 6 Amiet, L'dge des échanges inter-iraniens, p. 164, fig. . 122 (comme "Lut")

[18] Pittman, L'art de l'âge du bronze, p. 27.

[19] Amiet, L'edge des échanges inter-iraniens, passim.

[20] S. Dunham, "Metal Animal Headed Cups at Mari", dans To the Euphrate and Beyond: Archaeological Studies in Honor of Maurits N. Van Loon, éd. O.M.C. Haex et al. (Rotterdam, 1989), p. 213-20.

[21] K. Tuchelt, Tiergefdsse in Kopf- et Protomengestalt (Berlin, 1962).

[22] A. Michalowski, "Magan et Meluhha Once Again," Journal of Cuneiform Studies 40 (1988), pp. 156-64.

[23] E. O. Negahban, A Preliminary Report on Marlik Excavation (Téhéran, 1964).

[24] E. Porada, "Iranische Kunst", in W. Orthmann, Der alte Orient (Berlin, 1975), p. 372.

[25] P. Amiet, « Autour de Marlik », in Archaeologia Iranica et Orientalis : Miscellanea in honorem Louis Vanden Berghe, éd. L. de Meyer et E. Haernick (Gand, 1989/, pp. 311-22 idem, "Marlik et Tchoga Zanbil," RAAO 84 (1990/, pp. 44-47.

[26] E. O. Negahban, Metal Vessels from Marlik (Munich, 1983/, n° 8, (ci-après MVM/, planches en couleurs p. 34-36.

[27] Ibid., non. 15, planche en couleurs p. 47.

[28] Ibid., non. 11, planche en couleurs p. 38 O. W. Muscarella, "Fibulae and Chronology, Marlik et Assur," Journal of Field Archaeology 11 (1984/, p. 416.

[29] P. H. G. Howes Smith, "A Study of 9th-7th Century Metal Bowls from Western Asia" IA 21 (1986), p. 20.

[30] E. Haerinck, « L'âge du fer à Guilan : proposition de chronologie » in BCWA, p. 65.

[31] MVM, non. 13, planche couleur pp. 40-41 no. 57, planche en couleurs p. 52.

[32] Cf. R. Ghirshman, Fouilles de Sialk, vol. 2 (Paris, 1939/, pls. XXIII-IV.

[33] E. Porada, Ancient Iran: The Art of Pre-Islamic Times (Londres, 1965), fig. 61.

[34] I. Winter, A Decorated Breastplate from Hasanlu, Iran, University Museum monographie 39 (Philadelphie, 1980/, fig. 1, 17-31.

[36] Cf. P. Calmeyer, "Zum Tongefass in form eines Gazellenkopfes," dans W. Kleiss, Bastam, vol. 1 /Berlin, 1979/, pp. 195-201, pls. 45-47.

[37] P. Amiet, Elam (Paris, 1966), fig. 356 Suse : 6000 ans d'histoire (Paris, 1988), pl. 61.

[38] D.von Bothmer, éd., Glories of the Past: Ancient Art from the Shelby White and Leon Levy Collection (New York, 1990/, n° 35.

[39] A. Godard, Le tresor de Ziwiye, Kurdistan (Haarlem, 1950/, fig. 30 R. Ghirshman, "Le tresor de Sakkez, les origines de Part mede et les bronzes du Luristan," ArtAs 13 (1950/, pp . 191-92, pls. 15-16 cf. OW Muscarella, "'Ziwiyeh' and Ziwiye: The Forgery of a Provenience," Journal of Field Archaeology 4 (1977), pp. 197-219 pour la bibliographie récente voir B. Goldman, "Ziwiyeh Miscellany," BAI 3 (1989), pp. 1-13.

[40] R. Ghirshman, Persia from the Origins to Alexander the Great (Londres, 1964/, pls. 138-39 (couleur).

[41] P. Amandry, "Objets orientaux en Grèce et en Italie aux VIIIe et VIIe siècles avant J.-C", Syria 35 (1958), pp. 91-92, pl. VII-c.

[43] A. H. Layard, Découvertes à Ninive et à Babylone (Londres, 1853), p. 199.

[44] Amandry, "Objets orientaux en Grèce et en Italie" p. 86.

[45] P. Amiet, "Appliques iraniennes," Revue du Louvre 27 (1977/, pp. 63-69 cf. use of bitume and precieux metal overlays for pins : P. de Miroschedji, "Note d'orfeverie neo-elamite," dans Mélanges Jean Perrot (Paris, 1990/, pp. 181-94.

[48] ​​P. R. S. Moorey, Catalogue of the Ancient Persian Bronzes in the Ashmolean Museum (Oxford, 1971), p. 209.

[49] B. Hrouda, Die Kulturgeschichte des assyrischen Flachbildes (Bonn, 1965), pl. 23-23.

[50] Cf. J. Boardman, Les Grecs d'outre-mer, fig. 27.

[52] P. R. S. Moorey, « Ancient Persian Bronzes from the Island of Samos », Iran 12 (1974/, pp. 190-95.

Encyclopédie Iranica

L'Institut britannique des études persanes

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1. Structure de base de la tauroctonie

  • Mithra (au centre), agenouillé sur le taureau, le tenant par les narines de la main gauche, le poignardant de la main droite et regardant vers nous.
  • Le taureau saigne. Un chien et un serpent sautent pour lécher le sang. Un scorpion attrape les testicules du taureau.
  • La queue du taureau est une gerbe de maïs.
  • De chaque côté de la scène se trouvent les "porteurs de flambeaux", ou dadophoroi, Cautes (torche pointée vers le haut) et Cautopates (torche pointée vers le bas). 4
  • Tout cela se passe dans une grotte, dont le toit est au-dessus de Mithra. Des scènes boisées se déroulent au-dessus du toit.
  • En haut à gauche, le soleil, Sol, avec une couronne de rayons. Un long rayon se dirige vers la lumière sur Mithra. Un corbeau est assis à proximité.
  • En haut à droite, la lune, Luna.
  • Des panneaux latéraux représentant des événements de la vie mythologique de Mithra apparaissent de chaque côté. Le contenu de ces derniers varie. 5

Dans certains cas, des bustes apparaissent aux quatre coins, qui représentent les quatre vents.


Galerie de photos

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– Avec la permission de la Bibliothèque du Congrès –

– Avec la permission de la Bibliothèque du Congrès –

– Avec la permission des Archives anthropologiques nationales –

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– Avec l’aimable autorisation du Smithsonian Institution Bureau of American Ethnology –

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Deux fusillades et une nouvelle poussée pour le contrôle des armes à feu

Alors que l'Amérique pleure deux fusillades de masse en une semaine – à Atlanta et à Boulder, Colorado – la question inévitable se pose à nouveau : Washington adoptera-t-il de nouvelles restrictions sur les armes à feu cette fois ?

"Ce n'est pas et ne devrait pas être une question partisane - c'est une question américaine", Le président Biden a déclaré hier, ajoutant qu'il était "dévasté" par les meurtres. Il a exhorté les législateurs à ne pas "attendre une minute de plus" avant d'approuver une loi interdisant les armes de type assaut et les magazines de grande capacité.

C'est un problème que M. Biden connaît bien : il a aidé à faire adopter une interdiction des armes d'assaut au Sénat dans les années 1990. Et le président Barack Obama l'a accusé d'avoir élaboré des propositions de contrôle des armes à feu après la fusillade de Sandy Hook en 2012, bien que celles-ci n'aient pas réussi à gagner du terrain.

Les républicains semblent opposés à de nouvelles restrictions radicales. Le sénateur Chuck Grassley de l'Iowa a noté que deux projets de loi proposant un resserrement modeste des vérifications des antécédents pour les ventes – que quatre Américains sur cinq soutiennent – ​​ont été adoptés à la Chambre principalement selon les partis. Une proposition plus restreinte parrainée par le sénateur Joe Manchin, démocrate de Virginie-Occidentale, et le sénateur Pat Toomey, républicain de Pennsylvanie, n'obtiendra probablement pas une majorité à l'épreuve de l'obstruction systématique au Sénat.


John Singleton Copley, Paul Revere

Écoutez, mes enfants, et vous entendrez
De la chevauchée nocturne de Paul Revere,
Le dix-huit avril en soixante-quinze
À peine un homme est maintenant en vie
Qui se souvient de ce jour et de cette année célèbres.
Il a dit à son ami : « Si les Britanniques marchent
Par terre ou par mer depuis la ville ce soir,
Accrochez une lanterne en l'air dans l'arche du beffroi
De la tour de l'Église du Nord, comme feu de signalisation—
Un si par terre et deux si par mer
Et moi sur la rive opposée, je serai,
Prêt à rouler et à sonner l'alarme
Dans chaque village et ferme du Middlesex,
Pour que les paysans soient debout et s'arment.
—Henry Wadsworth Longfellow

Ainsi commence le célèbre poème de Henry Wadsworth Longfellow "Paul Revere's Ride", un ouvrage qui a été publié pour la première fois dans le numéro de janvier 1861 de Le mensuel de l'Atlantique. Bien que Paul Revere soit désormais célèbre comme l'un des Minutemen du Massachusetts, une milice locale qui défendrait la colonie contre l'armée britannique à tout moment, il n'était guère une personnalité publique de son vivant. L'histoire nous dit qu'il est parti de la Old North Church de Boston pour avertir de l'approche des Britanniques, mais il n'a jamais été élu à une fonction publique et il n'a été impliqué que de manière tangentielle dans la politique révolutionnaire. En effet, la renommée limitée de Revere à son époque provient de ses talents considérables d'orfèvre. Sa renommée durant la seconde moitié du XIXe siècle vient de son apparition dans le poème de Longfellow. La renommée de Revere aujourd'hui, cependant, peut être attribuée - en partie au moins - au remarquable portrait que John Singleton Copley a peint de l'artisan en 1768.

Les débuts de Copley

Copley avait un large accès aux estampes du début du XVIIIe siècle et il incorporait souvent des poses et des vêtements d'images plus anciennes dans ses portraits de Bostoniens (sa mère épousa Peter Pelham, un graveur spécialisé dans les gravures noires après la mort de son père). À l'âge de 15 ans, par exemple, Copley a peint le portrait de Mme Joseph Mann (Bethia Torrey). Sa pose - tenant un dard de perles - et la tenue d'une robe à encolure dégagée avec garniture blanche - ont été directement tirées d'une manière noire de la princesse Anne. Dans le monde d'aujourd'hui, nous pourrions considérer ces « emprunts » comme une sorte de plagiat visuel. Mais c'est dans cette veine que travaillaient et apprenaient les artistes du XVIIIe siècle. On s'attendait à ce que l'on puisse devenir grand grâce à la copie attentive des maîtres anciens.

La gauche: La reine Anne quand princesse de Danemark par Isaac Beckett, d'après William Wissing, façon noire, 1683-1688, 32,6 x 25 cm (National Portrait Gallery, Londres) à droite : John Singleton Copley, Mme Joseph Mann (Bethia Torrey), 1753, huile sur toile, 91,44 x 71,75 cm (Musée des beaux-arts, Boston)

John Singleton Copley, Un garçon avec un écureuil volant (Henry Pelham), 1765, huile sur toile, 77,15 x 63,82 cm (Musée des beaux-arts, Boston)

Cependant, au fur et à mesure que Copley mûrissait en tant qu'artiste, il devint plus inventif en matière de composition. Un bon exemple de ceci est un chef-d'œuvre précoce, Garçon avec un écureuil, un portrait du demi-frère de l'artiste, Henry Pelham. Copley a envoyé ce portrait à Londres pour l'exposition de 1766 de la Society of Artists. Copley a reçu des commentaires de son expatrié contemporain Benjamin West et de Sir Joshua Reynolds, peut-être la voix la plus autorisée sur l'art britannique à l'époque. Capitaine R.G. Bruce, l'ami de Copley, a pris Garçon avec un écureuil à Londres et est revenu avec l'évaluation de Reynolds : « dans n'importe quelle collection de peinture, cela passera pour un excellent tableau, mais compte tenu des inconvénients… Les « désavantages » auxquels Reynolds fait référence sont probablement ceux qui impliquent l'emplacement de Copley (Boston, la frange même de l'empire britannique) et sa possibilité d'y suivre une formation artistique formelle (aucune).

John Singleton Copley, John Hancock, 1765, huile sur toile, 124,8 x 100 cm (Musée des Beaux-Arts, Boston)

Et pourtant, malgré ces inconvénients (bien que certains spécialistes de l'art américain pensent que c'était à cause d'eux), Copley est rapidement devenu le portraitiste le plus recherché des colonies. Au milieu des années 1760, il peignait l'élite économique et politique de sa ville, et était devenu lui-même un homme plutôt riche. Avant la fin des années 1760, Copley s'était marié avec une famille riche et avait acheté une ferme de 20 acres avec trois maisons. Ce domaine plaçait Copley à côté de John Hancock, l'un des marchands les plus riches de Boston (et futur président du Congrès continental et gouverneur du Massachusetts) lorsque Copley l'a peint en 1765 (à gauche).

Mais ce n'était pas seulement l'élite riche et politique que Copley a peint. En effet, pendant une période politiquement tumultueuse, Copley a peint les deux côtés de cette division au vitriol, à la fois les Whigs (ceux en faveur d'une rupture avec la Grande-Bretagne) et les Tories (ceux qui souhaitaient rester dans l'Empire).

Il semble que la seule exigence de Copley était que la gardienne ait les finances pour payer la ressemblance. Il est également possible que Copley peigne un modèle pour l'échanger contre des biens ou des services passés ou futurs. Paul Revere, un orfèvre aux moyens modestes sinon riches, pourrait bien être un de ces cas.

Le portrait de Paul Revere

Le portrait de Paul Revere par Copley est frappant à bien des égards. Pour commencer, Revere est assis derrière une haute table en bois poli. Plutôt que de porter ses vêtements « les meilleurs du dimanche » comme les gardiens de portraits (et de photos d'écoles primaires) le faisaient si souvent (et le font toujours), Revere porte plutôt une tenue de travail simple, une décision qui souligne son statut d'artisan et de classe moyenne. Sa chemise à col ouvert est en lin blanc uni, et l'absence de cravate - une sorte de cravate formelle - prête à la nature informelle du portrait. Ce qui ressemble à un maillot de corps apparaît sous sa chemise en lin, et un gilet en laine (ou peut-être une soie terne) est également déboutonné (bien que décoré de deux boutons en or, des caractéristiques qui n'étaient probablement pas présentes dans le gilet de travail de Revere). Il ne porte ni veste ni manteau, et même sa perruque – quelque chose que presque tous les hommes auraient porté s'ils en avaient les moyens – a disparu. Nous pouvons comparer ce que Revere porte aux vêtements pour hommes du XXIe siècle. Imaginez un homme portant un costume trois pièces (blazer, gilet, chemise blanche boutonnée et cravate). Si vous deviez retirer la veste et la cravate et déboutonner la chemise et le gilet, vous auriez une idée de l'informalité présente dans le portrait de Revere par Copley au XVIIIe siècle.

John Singleton Copley, Paul Revere, 1768, huile sur toile, 89,22 x 72,39 cm (Musée des beaux-arts, Boston)

En effet, comparer le portrait de l'orfèvre de Copley avec celui du voisin de Copley, John Hancock, rend les différences d'autant plus évidentes. Les deux semblent être à l'œuvre à certains égards – Revere sur sa théière et Hancock sur son grand livre – mais là s'arrêtent les similitudes. Même si Hancock n'est pas habillé aussi ostensiblement qu'il aurait pu l'être, il porte toujours un manteau bleu foncé agrémenté et garni de galons et de boutons dorés. Des poignets blancs dépassent de ses manches et une cravate de soie est nouée autour de son cou. Ses culottes ont des boucles dorées et des bas de soie couvrent le bas de ses jambes. Une modeste perruque électrique repose sur sa tête. Cette tenue modeste – du moins pour Hancock – démontre le caractère unique de Copley peignant Revere tout en portant ce qui équivaut à des vêtements de travail. En effet, c'est le seul portrait achevé que Copley a peint d'un artisan portant des vêtements moins que formels.

Visage (détail), John Singleton Copley, Paul Revere, 1768, huile sur toile, 89,22 x 72,39 cm (Musée des Beaux-Arts, Boston)

Mais ce n'est pas seulement ce que Revere porte, c'est aussi ce qu'il fait. Le modèle regarde le spectateur, comme si nous l'avions momentanément distrait de son travail. Le bord de la table au premier plan suggère que la table derrière laquelle il est assis est parallèle au plan de l'image. Peu de gens prétendraient que cette table est son établi, car la surface est beaucoup trop polie et vierge pour avoir été utilisée dans l'activité quotidienne de son métier. La surface de la table reflète la chemise blanche de Revere, et les outils devant lui, ses burins de graveur. De sa main droite, Revere semble soutenir sa tête – et en corollaire, son cerveau – la source de son ingéniosité artistique. Sa main gauche tient le produit de cet esprit, une théière en argent presque terminée, un récipient qui a été poli à un lustre si élevé que la main de Revere se reflète magnifiquement sur sa surface.

Plateau et théière (détail), John Singleton Copley, Paul Revere, 1768, huile sur toile, 89,22 x 72,39 cm (Musée des beaux-arts, Boston)

En tant qu'orfèvre, Revere fabriquait de nombreuses sortes d'objets : cuillères, bols, boucles de chaussures, outils de dentisterie, chopes à bière, pots à crème, cafetières et pinces à sucre. Qu'on lui montre une théière était une décision ouvertement politique. À la fin des années 1760, la Grande-Bretagne était au bord de la ruine financière après la fin de la guerre de Sept Ans (la composante nord-américaine de ce conflit est appelée la guerre française et indienne, la représentation la plus célèbre de cette guerre est la peinture de Benjamin West de 1770 La mort du général Wolfe ). Afin d'augmenter les revenus des coffres de la couronne en 1767, le Parlement britannique a adopté les Townshend Acts, qui imposaient une taxe sur l'utilisation du thé par les coloniaux (parmi d'autres produits importés). Paul Revere était clairement engagé dans cette question politique, car sa signature figure sur un accord de non-importation d'octobre 1767. De toute évidence, le thé devenait un bien politisé et il est intéressant de noter que Revere a choisi d'être montré tenant un objet si lié à une marchandise qui est devenue un symbole de division. En effet, ce fil politique a atteint son apogée avec la soi-disant Boston Tea Party le 16 décembre 1773, lorsqu'une collection de colons - certains déguisés en Amérindiens - ont attaqué un navire marchand dans le port de Boston et jeté le thé par-dessus bord. Fait intéressant, le propriétaire de ce bateau était Richard Clarke, le beau-père de John Singleton Copley.

Copley, Revere et le massacre de Boston

Une autre facette du portrait de Paul Revere mérite d'être explorée, celle de sa date d'achèvement, car l'artiste a rarement daté ou signé ses portraits. Copley et Revere se connaissaient depuis au moins 1763 lorsque le livre de comptes de Revere note que Copley avait commandé un bracelet en or. Revere a également fabriqué par la suite des cadres en ruban pour les portraits miniatures de Copley, et il a été suggéré que ce portrait aurait pu servir de paiement de Copley à Revere pour les services passés rendus et les biens reçus. De toute évidence, Revere et Copley avaient une relation professionnelle. Cependant, cette relation ne s'est probablement pas prolongée au-delà de la première moitié de 1770.

L'un des mouvements les plus importants qui ont mené à la guerre d'Indépendance américaine a été le soi-disant massacre de Boston. Le 5 mars 1770, un groupe de soldats britanniques a tiré sur un groupe de manifestants non armés qui lançaient des boules de neige (chargées de pierres) et d'autres objets sur les fantassins. La foule a également crié à plusieurs reprises « Au feu ! au capitaine Preston, le commandant de service, le défiant d'ordonner à ses soldats de tirer leurs mousquets dans la foule. Finalement, l'armée britannique a obligé ses bourreaux à cinq hommes mortellement blessés et six autres ont été blessés. Les soldats ont été arrêtés et jugés, accusés de meurtre. Leur avocat était le futur président John Adams, a obtenu six acquittements et deux charges réduites d'homicide involontaire.

Cet événement a instantanément été source de division politique, et les whigs et les conservateurs ont commencé à utiliser la propagande visuelle comme moyen d'amener de leur côté ceux qui étaient neutres en ce qui concerne la déclaration d'indépendance de la Grande-Bretagne. En peu de temps, Henry Pelham, le demi-frère de Copley a réalisé une telle tentative pour décrire les événements du massacre de Boston. Pelham termina sa gravure immédiatement après les événements du 5 mars, puis en prêta une copie à Paul Revere. L'orfèvre, qui gravait des caricatures politiques depuis au moins 1765, et toujours l'entrepreneur, a ensuite fidèlement copié l'estampe de Pelham et a placé une annonce pour sa vente au plus tard le 26 mars, trois semaines seulement après l'événement et une semaine avant celle de Pelham. impression étant disponible à l'achat.

À gauche : Henry Pelham, Massacre de Boston À droite : Paul Revere, Massacre de Boston

Vu côte à côte, il est clair que Revere a plagié le travail alors inédit de Pelham, le même arrangement de corps morts et blessés à gauche, la même organisation des soldats britanniques à droite, le même chien, la même architecture de cadrage. Bien que le croissant de lune soit placé dans la même partie de l'impression - le coin supérieur gauche - la plus grande différence entre ces deux images pourrait être que la lune de Pelham est ouverte sur son côté droit tandis que celle de Revere est ouverte sur la gauche. Cet affront flagrant contre un membre de la famille a probablement mis fin à la relation de John Singleton Copley avec Paul Revere.

Il est ironique que Revere soit surtout connu aujourd'hui à cause du poème de Longfellow, une œuvre qui ne mentionne pas sa carrière artisanale plus célèbre. Le portrait de l'orfèvre par Copley, tout aussi célèbre, a été caché dans le grenier d'un descendant pendant la majeure partie du XIXe siècle et n'a été affiché publiquement qu'en 1928. Depuis ce temps, cependant, l'image a contribué au prestige de la gardienne, et la renommée de la gardienne a également contribué à la renommée de la peinture.


Drapeau d'appel au ciel – 1775

George Washington, avait fourni des fonds pour créer une flotte temporaire de batteries flottantes dans le port de Boston et six corsaires, connus sous le nom de « Washington » Cruisers » pour le service en haute mer. Un drapeau ou une enseigne était nécessaire pour distinguer ces « Cruisers » des navires pirates ou de la marine marchande.

En avril 1776, le Massachusetts Council a adopté une série de résolutions pour la réglementation du service maritime, notamment les suivantes :

Résolu, Que l'uniforme des officiers soit vert et blanc, et qu'ils se fournissent en conséquence et, Que les couleurs soient un fond blanc avec un pin vert, et l'inscription " UN APPEL AU CIEL ".

Ce slogan était tiré du dernier paragraphe de la résolution envoyée par la colonie du Massachusetts à leurs frères en Grande-Bretagne, qui se terminait ainsi,

En faisant appel au ciel pour la justice de notre cause, nous décidons de mourir ou d'être libres.”

L'authenticité de ce drapeau de pin est en outre établie par une lettre du colonel George Reed, secrétaire, le 20 octobre 1776, au comité de la marine alors en session et actif dans la création d'une marine continentale, à savoir :

Veuillez fixer une couleur particulière pour un drapeau et un signal par lequel nos navires peuvent se connaître. Que pensez-vous d'un drapeau avec un fond blanc, un arbre au milieu et une devise « Un appel au ciel » ? C'est le drapeau de nos batteries flottantes.”

Deux des nouveaux navires de guerre avaient déjà pris la mer en vertu d'un accord pour utiliser le drapeau britannique du météore rouge comme enseigne, hissé sur un certain mât selon un système de signalisation préétabli. Il n'était donc pas possible de suivre la suggestion du colonel Reed. Par le système de signaux convenu, les navires anglais pouvaient être approchés sans éveiller leurs soupçons.

Les Un appel au drapeau du ciel était également le drapeau officiel des troupes du Connecticut et des troupes du Massachusetts et a été largement utilisé avec des variations de devise, de couleur, de position du pin, etc. Bien que le drapeau du pin n'ait pas été officiellement établi par la loi du Congrès continental, il est en fait devenu le drapeau officiel Enseigne navale pour le moment.

Une brève histoire du drapeau Un appel au ciel

À l'automne de l'année 1775, les colons ont créé une flotte de six navires connus sous le nom de « Washington » Cruisers. Ces braves petits navires ont navigué pour capturer des provisions et des munitions britanniques à destination des côtes américaines.

Les navires étaient le “Lynch, le “Franklin, le “Lee, le “Harrison, le “Warren” et le “Lady Washington.” 8221 Le Lee fut le seul de cette première flotte américaine à réussir en haute mer, capturant le brick britannique Nancy, emportant des armes, des munitions et des provisions pour l'armée britannique en Amérique.

Ces “Washington Cruisers” ont arboré le premier drapeau national connu sous le nom de “Un appel au paradis” également connu sous le nom de “drapeau de pin” et “drapeau de Washington Cruisers”. C'était un drapeau blanc portant un pin vert pâle avec la devise « Un appel au ciel ».

Appel au drapeau du ciel (1775-1776). Connu aussi sous le nom de drapeau de croiseur de Washington ou de drapeau de pin.

Au cours du mois de septembre 1775, deux puissantes batteries flottantes furent lancées sur la rivière Charles et ouvrirent un feu vers le dernier octobre sur Boston qui provoqua une grande alarme et endommagea plusieurs maisons. Ils semblent avoir été faits de solides planches percées près de la ligne de flottaison, pour les rames et le long des côtés, plus haut pour la lumière et la mousqueterie. Un canon lourd était placé à chaque extrémité, et sur le dessus se trouvaient quatre émerillons. Leur enseigne était un drapeau de pin,[1] les six goélettes commandées pour la première fois par Washington et les premiers navires commandés par les colonies unies ont navigué sous le drapeau de pin.[2] Le colonel Reed dans une lettre de Cambridge aux cols. Glover et Moylan, datés du 20 octobre 1775, déclarent :

Veuillez fixer une couleur particulière pour un drapeau, et un signal par lequel nos navires peuvent se connaître. Que pensez-vous d'un drapeau avec un fond blanc, et un arbre au milieu, la devise "UN APPEL AU CIEL", c'est le drapeau de nos batteries flottantes.

American Floating Battery, utilisé au siège de Boston, à partir d'un manuscrit anglais.

[1] Le livre de terrain de la révolution des années perdantes.

[2] Le capitaine John Selman et Nicholas Broughton ont été commandés par le général Washington (selon la déclaration de Selman à Elbridge Gerry), à l'automne 1775, tous deux vivant à Marblehead.

Ce dernier comme commodore de deux petites goélettes, l'une le Lynch montant six quatre livres et dix émerillons, et habité par soixante-dix marins et l'autre le Franklin de moindre force ayant soixante-cinq. Le commodore hissa son large pendentif à bord du Lynch, et Selman commanda ce dernier.

Ces navires ont reçu l'ordre de se rendre sur le fleuve Saint-Laurent pour intercepter un navire de munitions à destination de Québec, mais le manquant, ils ont pris dix autres navires et le gouverneur Wright de St. Johns, qui ont tous été libérés, car nous avions mené une guerre ministérielle et pas un contre notre souverain le plus gracieux.” — Lettre de E. Gerry à John Adams, datée du 9 février 1813.

Le formulaire de commission délivré par le général Washington aux officiers des navires qu'il avait armés, sous l'autorité du congrès continental, et aux officiers ainsi commissionnés, était le suivant :

Par son excellence George Washington, Esq., commandant en chef de l'armée des colonies unies.

En vertu des pouvoirs et des autorités qui m'ont été conférés par l'honorable congrès continental, je vous constitue et vous nomme par la présente capitaine et commandant de la goélette Garenne maintenant couché à Beverly portuaire, au service de la colonies unies d'Amérique du Nord, d'avoir, de détenir, d'exercer et de jouir de ladite charge de capitaine et de commandant dudit navire, et d'accomplir et d'exécuter toutes les affaires et les choses qui à votre ladite charge font, ou peuvent de droit appartenir ou appartenir, jusqu'à nouvel ordre doit être donné par l'honorable congrès continental, moi-même, ou tout futur commandant en chef de ladite armée, désireux et commandant à tous les officiers, soldats et personnes de quelque manière que ce soit, d'être obéissants et de vous assister dans la bonne exécution de cette commission.

Donné sous mon seing et mon sceau, à Cambridge, ce 1er jour de Février , Annoque Domini, 1776.

GEORGE WASHINGTON

Par le commandement de son excellence.

Au capitaine William Burke, du Garenne.

Officiers des vaisseaux armés, armés par ordre du général Washington, le 1er février 1776.

Lady Liberty ‘aka’ Hancock,…. John Manley,…. Capitaine et Com…. 1er janvier 1776.

Richard Stiles,……………𔅽st Lieutenant,…. 1er janvier 1776.
Nicholas Ogilby, ………… lieutenant,…. 1er janvier 1776.

Franklin,…. Samuel Tucker,…. Capitaine, …….. 20 janvier 1776.

Edward Phittiplace,… 1er lieutenant,…. 20 janvier 1776.
Francis Salter,….. 2d Lieutenant,…………. 20 janvier 1776.

Harrison,…. Charles Dyar, capitaine, le 20 janvier 1776.

Thomas Dote,…….. 1er lieutenant,…………#23 janvier 1776.
John Wigglesworth. Sous-lieutenant,…. 20 janvier 1776.

Garenne,….. William Burke,….. Capitaine,…….. 1er février 1776.

Archives américaines, 4e série, vol. iv, p. 909, 910.

…. Les colonels Moylan et Glover ont répondu le lendemain que comme Broughton et Selman qui ont navigué ce matin n'avaient que leurs anciennes couleurs (probablement l'ancien drapeau de l'Union anglaise), ils avaient désigné comme le signal par lequel ils pouvaient être connus de leurs amis l'enseigne au ascenseur principal de topping.

La suggestion du colonel Reed semble cependant avoir été bientôt adoptée. Les Chronique de Londres pour janvier 1776, décrivant le drapeau d'un croiseur capturé dit :

Il y a dans le bureau de l'amirauté le drapeau d'un corsaire de province. Le champ est bruant blanc. Au milieu se trouve un pin vert, et de l'autre côté se trouve la devise, ‘Un appel au ciel.‘”

Avril 1776, le conseil du Massachusetts a adopté une série de résolutions prévoyant la réglementation du service maritime, parmi lesquelles les suivantes :

Résolu, Que l'uniforme des officiers soit vert et blanc, et qu'ils se munissent en conséquence, et que les couleurs soient un drapeau blanc avec un pin vert et l'inscription « Un appel au ciel ».

Selon les journaux anglais, des corsaires tout au long de cette année portant un drapeau de cette description ont été capturés et sont arrivés dans les ports britanniques. “janv. Le 6 octobre 1776, le Tartar, Capt. Meadows, arriva à Portsmouth, en Angleterre, de Boston avec plus de soixante-dix hommes, l'équipage d'un corsaire américain qui équipait 10 canons pris par le navire de guerre Fowry. Le capitaine Meadows a également apporté ses couleurs, qui sont un palmier vert pâle sur un champ blanc avec cette devise : « Un appel au ciel. » Elle a été emmenée sur la côte du Massachusetts, en croisière pour les transports et a été envoyée par le conseil de cette province.

Le commodore Samuel Tucker, dans une lettre adressée à l'hon. John Holmes, daté du 6 mars 1818, [3] dit :

La première croisière que j'ai faite a eu lieu en janvier 1776, dans la goélette Franklin de 70 tonnes, équipée sur ordre du général Washington, et j'ai dû acheter les armes légères pour affronter l'ennemi, avec de l'argent de ma poche ou partir sans et ma femme a fait la bannière sous laquelle je me suis battu, dont le champ était blanc, et l'union verte faite à l'intérieur de la figure d'un pin, faite de tissu de son achat, à ses propres frais.

Sous ces couleurs, il captura le navire George et le brick Arabella, ayant à son bord environ deux cent quatre-vingts soldats des Highlands du corps du général Eraser.

Halifax, Nouvelle-Écosse, le 10 juin 1776, le dimanche, est arrivé de Boston, un brick de corsaire, appelé le Yankee Hero, Capt. Tracy. Elle a été prise par la frégate Milford 28 canons, le capitaine Burr, après un engagement obstiné, au cours duquel le capitaine du corsaire a reçu une balle dans la cuisse, peu de temps après laquelle elle a frappé. C'est un beau navire et il est équipé de douze canons d'affût et de six émerillons. Ses couleurs étaient un pin sur un champ blanc.

Les exemples d'utilisation de ce drapeau de pin d'octobre 1775 à juillet 1776 pourraient être multipliés.

[3] Shepard’s La vie du commodore Tucker.

Byron McCandless, Gilbert Hovey Grosvenor, Drapeaux du monde. Disponible en ligne.


Brett Favre pense que le sport devient trop politique

Le FBI a publié lundi son décompte officiel des crimes pour 2016, et les données vont à l'encontre de la rhétorique que les athlètes professionnels ont répétée lors des manifestations ravivées de Black Lives Matter ce week-end.

Près de 900 Noirs supplémentaires ont été tués en 2016 par rapport à 2015, ce qui porte le nombre total de victimes d'homicides noires à 7 881. Ces 7 881 « corps noirs », dans le jargon de Ta-Nehisi Coates, représentent 1 305 de plus que le nombre de victimes blanches (qui dans ce cas comprend la plupart des Hispaniques) pour la même période, bien que les Noirs ne représentent que 13% de la population du pays.

L'augmentation des homicides de Noirs l'année dernière s'ajoute à une précédente augmentation de 900 victimes entre 2014 et 2015.

Qui tue ces victimes noires ? Pas des Blancs, et pas la police, mais d'autres Noirs.

En 2016, la police a abattu 233 noirs, la grande majorité armés et dangereux, selon le Washington Post. Le journal a classé seulement 16 hommes noirs victimes de fusillades policières comme « non armés ». Cette classification masque des agressions contre des agents et une résistance violente à l'arrestation.

Contrairement au récit de Black Lives Matter, la police a beaucoup plus à craindre des hommes noirs que les hommes noirs n'ont à craindre de la police. En 2015, un policier était 18,5 fois plus susceptible d'être tué par un homme noir qu'un homme noir non armé était tué par un policier.

Les hommes noirs ont représenté 42 pour cent de tous les tueurs de flics au cours de la dernière décennie, bien qu'ils ne représentent que 6 pour cent de la population. Ce ratio de 18,5 s'est sans aucun doute aggravé en 2016, à la lumière de l'augmentation de 53% des meurtres par arme à feu d'officiers – commis de manière largement et disproportionnée par des hommes noirs.

Parmi tous les suspects d'homicide dont la race était connue, les tueurs blancs de Noirs n'étaient que 243.

Les crimes violents ont maintenant augmenté de manière significative pendant deux années consécutives. Le nombre total de crimes violents a augmenté de 4,1% en 2016, et les homicides estimés ont augmenté de 8,6%.

En 2015, les crimes violents ont augmenté de près de 4 % et les homicides estimés de près de 11 %. La dernière fois que la violence a augmenté deux années de suite, c'était en 2005-06.

La raison de l'augmentation actuelle est ce que j'ai appelé l'effet Ferguson. Les flics se retirent de la police proactive dans les quartiers minoritaires à forte criminalité et les criminels s'enhardissent.

Les politiciens, les médias et les militants de Black Lives Matter n'ont cessé de dire qu'ils étaient fanatiques d'être sortis de leur voiture et d'avoir interrogé quelqu'un qui flânait dans un coin de drogue connu à 2 heures du matin, de nombreux officiers ne font que passer.

De tels arrêts sont discrétionnaires, les flics n'ont pas à les faire. Et lorsque les élites politiques diabolisent la police pour une telle police proactive, nous ne devrions pas être surpris que les flics comprennent le message et en fassent moins.

Soixante-douze pour cent des officiers du pays déclarent qu'eux-mêmes et leurs collègues sont désormais moins disposés à arrêter et à interroger des personnes suspectes, selon un sondage Pew Research publié en janvier 2017. La raison en est le climat anti-flic persistant.

Quatre études ont été publiées rien qu'en 2016, réfutant l'accusation selon laquelle les fusillades policières sont racistes. S'il y a un parti pris dans les fusillades policières, cela joue en faveur des Noirs et contre les Blancs. Cette vérité n'a pas arrêté la diabolisation continue de la police - y compris, maintenant, par de nombreux athlètes professionnels ignorants du pays.

Le bilan sera ressenti, comme toujours, dans le centre-ville, par les milliers de personnes respectueuses de la loi qui veulent désespérément plus de protection policière.

Du City Journal, où Heather Mac Donald est rédactrice en chef.


Voir la vidéo: 10 plus grandes vagues capturées à la caméra!


Commentaires:

  1. Mitaur

    C'est le jeu amusant

  2. Derick

    Félicitations, vous avez juste une grande pensée.

  3. Kohlvin

    Je m'excuse, mais, à mon avis, vous n'avez pas raison. Je suis assuré. Écrivez-moi dans PM, nous parlerons.

  4. Advent

    De mal en pis.

  5. Ayawamat

    Je suis en mesure de vous conseiller sur cette question et, en particulier, je suis déterminé à participer à la discussion.



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