Michel-Ange - Peintures, Chapelle Sixtine et David

Michel-Ange - Peintures, Chapelle Sixtine et David


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Michel-Ange était un sculpteur, peintre et architecte largement considéré comme l'un des plus grands artistes de la Renaissance - et sans doute de tous les temps. Son travail a démontré un mélange de perspicacité psychologique, de réalisme physique et d'intensité jamais vu auparavant. Ses contemporains ont reconnu son talent extraordinaire et Michel-Ange a reçu des commandes de certains des hommes les plus riches et les plus puissants de son époque, notamment des papes et d'autres affiliés à l'Église catholique. Son travail résultant, notamment ses sculptures Pietà et David et ses peintures de la Chapelle Sixtine, a été soigneusement entretenu et préservé, garantissant que les générations futures pourraient voir et apprécier le génie de Michel-Ange.

Petite enfance et formation

Michelangelo Buonarroti (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni) est né le 6 mars 1475 à Caprese, en Italie. Son père travaillait pour le gouvernement florentin et peu de temps après sa naissance, sa famille retourna à Florence, la ville que Michel-Ange considérerait toujours comme sa véritable maison.

Pendant la Renaissance italienne, Florence était un centre artistique dynamique, un lieu propice au développement et à l'épanouissement des talents innés de Michel-Ange. Sa mère est décédée quand il avait 6 ans, et au départ, son père n'a pas approuvé l'intérêt de son fils pour l'art en tant que carrière.

À 13 ans, Michel-Ange est apprenti chez le peintre Domenico Ghirlandaio, particulièrement connu pour ses peintures murales. Un an plus tard, son talent a attiré l'attention du principal citoyen et mécène de Florence, Lorenzo de' Medici, qui a apprécié la stimulation intellectuelle d'être entouré des hommes les plus lettrés, poétiques et talentueux de la ville. Il a invité Michel-Ange à résider dans une pièce de sa somptueuse demeure.

Michel-Ange a appris et a été inspiré par les érudits et les écrivains du cercle intellectuel de Lorenzo, et son travail ultérieur sera à jamais informé par ce qu'il a appris sur la philosophie et la politique au cours de ces années. Tout en restant dans la maison des Médicis, il a également affiné sa technique sous la tutelle de Bertoldo di Giovanni, gardien de la collection de sculptures romaines antiques de Lorenzo et lui-même sculpteur réputé. Bien que Michel-Ange ait exprimé son génie dans de nombreux médias, il se considérait toujours d'abord comme un sculpteur.

Sculptures : La Pietà et David

Michel-Ange travaillait à Rome en 1498, lorsqu'il reçut une commande de carrière du cardinal français en visite Jean Bilhères de Lagraulas, envoyé du roi Charles VIII auprès du pape. Le cardinal voulait créer une statue substantielle représentant une Vierge Marie drapée avec son fils mort reposant dans ses bras - une Pieta - pour orner son propre futur tombeau. Le délicat chef-d'œuvre de 69 pouces de hauteur de Michel-Ange mettant en vedette deux figures complexes sculptées dans un bloc de marbre continue d'attirer des légions de visiteurs dans la basilique Saint-Pierre plus de 500 ans après son achèvement.

Michel-Ange est retourné à Florence et en 1501 a été engagé pour créer, toujours à partir de marbre, une énorme figure masculine pour mettre en valeur le célèbre Duomo de la ville, officiellement la cathédrale de Santa Maria del Fiore. Il a choisi de dépeindre le jeune David de l'Ancien Testament de la Bible comme héroïque, énergique, puissant et spirituel, et littéralement plus grand que nature à 17 pieds de haut. La sculpture, considérée par les érudits comme presque techniquement parfaite, reste à Florence à la Galleria dell'Accademia, où elle est un symbole de renommée mondiale de la ville et de son patrimoine artistique.

Peintures : Chapelle Sixtine

En 1505, le pape Jules II a chargé Michel-Ange de lui sculpter un grand tombeau avec 40 statues grandeur nature, et l'artiste a commencé à travailler. Mais les priorités du pape se sont éloignées du projet alors qu'il s'est retrouvé impliqué dans des conflits militaires et que ses fonds sont devenus rares, et un Michel-Ange mécontent a quitté Rome (bien qu'il ait continué à travailler sur la tombe, par intermittence, pendant des décennies).

Cependant, en 1508, Julius rappela Michel-Ange à Rome pour un projet de peinture moins coûteux, mais toujours ambitieux : représenter les 12 apôtres au plafond de la chapelle Sixtine, une partie la plus sacrée du Vatican où de nouveaux papes sont élus et inaugurés.

Au lieu de cela, au cours du projet de quatre ans, Michel-Ange a peint 12 personnages - sept prophètes et cinq sibylles (femmes prophètes du mythe) - autour du bord du plafond et a rempli l'espace central de scènes de la Genèse.

Les critiques suggèrent que la façon dont Michel-Ange dépeint le prophète Ézéchiel - comme fort mais stressé, déterminé mais incertain - est symbolique de la sensibilité de Michel-Ange à la complexité intrinsèque de la condition humaine. La peinture de plafond la plus célèbre de la chapelle Sixtine est la création d'Adam, imprégnée d'émotion, dans laquelle Dieu et Adam se tendent la main.

Architecture & Poèmes

Homme par excellence de la Renaissance, Michel-Ange a continué à sculpter et à peindre jusqu'à sa mort, bien qu'il ait travaillé de plus en plus sur des projets architecturaux en vieillissant : son travail de 1520 à 1527 à l'intérieur de la chapelle des Médicis à Florence comprenait des dessins de murs, des fenêtres et des corniches qui étaient inhabituel dans leur conception et introduit des variations surprenantes sur les formes classiques.

Michel-Ange a également conçu le dôme emblématique de la basilique Saint-Pierre à Rome (bien que son achèvement soit intervenu après sa mort). Parmi ses autres chefs-d'œuvre figurent Moïse (sculpture achevée en 1515) ; Le Jugement dernier (peinture, achevée 1534) ; et Day, Night, Dawn and Dusk (sculptures, toutes achevées en 1533).

Des années plus tard

A partir des années 1530, Michel-Ange écrit des poèmes ; environ 300 survivent. Beaucoup intègrent la philosophie du néo-platonisme - qu'une âme humaine, alimentée par l'amour et l'extase, peut se réunir avec un Dieu tout-puissant - des idées qui avaient fait l'objet d'intenses discussions alors qu'il était adolescent vivant dans la maison de Lorenzo de' Medici.

Après avoir quitté définitivement Florence en 1534 pour Rome, Michel-Ange a également écrit de nombreuses lettres lyriques aux membres de sa famille qui y sont restés. Le thème de beaucoup était son fort attachement à divers jeunes hommes, en particulier l'aristocrate Tommaso Cavalieri. Les chercheurs se demandent s'il s'agissait davantage d'une expression d'homosexualité ou d'un désir aigre-doux de Michel-Ange, célibataire, sans enfant et vieillissant, pour une relation père-fils.

Michel-Ange est décédé à 88 ans après une courte maladie en 1564, survivant bien au-delà de l'espérance de vie habituelle de l'époque. Une pieta qu'il avait commencé à sculpter à la fin des années 1540, destinée à son propre tombeau, est restée inachevée mais est exposée au Museo dell'Opera del Duomo de Florence, non loin de l'endroit où Michel-Ange est enterré, à la basilique Santa Croce.


La chapelle Sixtine, chef-d'œuvre de Michel-Ange

Lorsqu'il a reçu la commande de peindre la chapelle Sixtine, Michel-Ange a été mis en doute par les critiques. Les faisant taire, ses magnifiques coups de pinceau incarnent l'apogée de l'art de la Renaissance.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni était mieux connu en tant que sculpteur lorsque le pape Jules II l'a sollicité pour illuminer la chapelle Sixtine. Connu dans le monde entier sous le nom de Michel-Ange, le Florentin n'avait que 24 ans lorsqu'il a sculpté sa célèbre « Pietà », une tendre représentation de la Vierge Marie berçant le corps sans vie de son fils. Son imposant "David" a révélé sa maîtrise de la sculpture de la forme humaine.

Malgré toute l'habileté et la beauté de son travail au ciseau, c'est peut-être son travail au pinceau pour lequel on se souvient le plus de lui. Les couleurs vives et la composition saisissante de ses fresques dans la chapelle Sixtine impressionnent toujours les spectateurs par leur puissance et leur émotion. Le plafond Sixtine et le « Jugement dernier » témoignent du génie de Michel-Ange en tant que peintre et de son évolution en tant qu'artiste.

Le plafond Sixtine a été achevé en 1512, un peu avant la Réforme protestante. Sur le mur ouest, la fresque du « Jugement dernier » a été dévoilée près de trois décennies plus tard, alors que les effets de la révolution de Martin Luther se répandaient dans toute l'Europe. Les deux œuvres reflètent l'esprit et les thèmes de l'époque : l'amour de la Renaissance pour le corps humain, la tension entre la richesse et la foi et, surtout, un rendu explosivement vibrant des grandes histoires de la Bible.


Début de la vie

Michel-Ange est né le 6 mars 1475 à Caprese, en Italie, le deuxième de cinq fils.

À la naissance de Michel-Ange, son père, Leonardo di Buonarrota Simoni, était brièvement magistrat dans le petit village de Caprese. La famille est retournée à Florence quand Michel-Ange était encore un enfant.

Sa mère, Francesca Neri, était malade, alors Michel-Ange a été placé dans une famille de tailleurs de pierre, où il a plaisanté plus tard, "Avec mon lait de nourrice&aposs, j'ai aspiré le marteau et les ciseaux que j'utilise pour mes statues."


Michel-Ange, Jugement dernier, Chapelle Sixtine

Ça y est. Le moment que tous les chrétiens attendent à la fois avec espoir et effroi. C'est la fin des temps, le début de l'éternité lorsque le mortel devient immortel, lorsque les élus rejoignent Christ dans son royaume céleste et que les damnés sont jetés dans les tourments sans fin de l'enfer. Quelle tâche ardue : visualiser la fin de l'existence terrestre - et de plus, le faire dans la chapelle Sixtine, la chapelle privée de la cour papale, où les dirigeants de l'Église se sont réunis pour célébrer les liturgies des jours de fête, où le corps du pape a été déposé en état avant ses funérailles, et où, à ce jour, le collège des cardinaux se réunit pour élire le prochain pape.

Contextes historiques et picturaux

Titien, Portrait du Pape Paul III, ch. 1543, huile sur toile, 113,3 x 88,8 cm (Museo di Capodimonte, Naples)

La composition

Michel-Ange, Jugement dernier, Chapelle Sixtine, mur d'autel, fresque, 1534-1541 (Cité du Vatican, Rome)

Christ, Marie et Saints (détail), Michel-Ange, Jugement dernier, Chapelle Sixtine, mur d'autel, fresque, 1534-1541 (Cité du Vatican, Rome)

Anges (détail), Michel-Ange, Jugement dernier, Chapelle Sixtine, mur d'autel, fresque, 1534-1541 (Cité du Vatican, Rome)

Les élus (ceux qui vont au ciel)

Les morts sortent de leurs tombes et flottent vers le ciel, certains assistés par des anges. En haut à droite, un couple est tiré au ciel sur des grains de chapelet, et juste en dessous un corps ressuscité est pris dans un violent bras de fer (détail), Michel-Ange, Jugement dernier, Chapelle Sixtine, mur d'autel, fresque, 1534-1541 (Cité du Vatican, Rome) fresque, 1534-1541 (Cité du Vatican, Rome)

Les damnés (ceux qui vont en enfer)

Les démons entraînent les damnés en enfer, tandis que les anges abattent ceux qui luttent pour échapper à leur destin (détail), Michel-Ange, Jugement dernier, Chapelle Sixtine, mur d'autel, fresque, 1534-1541 (Cité du Vatican, Rome)

Charon conduit les damnés sur les rives de l'enfer et dans le coin inférieur droit se tient Minos aux oreilles de cul (détail), Michel-Ange, Jugement dernier, Chapelle Sixtine, mur d'autel, fresque, 1534-1541 (Cité du Vatican, Rome)

En compagnie du Christ

A gauche : Saint Jean-Baptiste A droite : Saint Pierre (détail), Michel-Ange, Jugement dernier, mur d'autel, Chapelle Sixtine, fresque, 1534-1541 (Cité du Vatican, Rome)

Alors que de tels détails étaient destinés à provoquer la terreur chez le spectateur, la peinture de Michel-Ange concerne principalement le triomphe du Christ. Le royaume des cieux domine. Les élus encerclent le Christ, ils se profilent au premier plan et s'étendent loin dans la profondeur de la peinture, dissolvant la limite du plan de l'image. Certains tiennent les instruments de leur martyre : André la croix en X, Laurent le gril, Saint-Sébastien un faisceau de flèches, pour n'en citer que quelques-uns.

Particulièrement importants sont saint Jean-Baptiste et saint Pierre qui flanquent le Christ à gauche et à droite et partagent ses proportions massives (ci-dessus). Jean, le dernier prophète, est identifiable par la peau de chameau qui recouvre son aine et pend derrière ses jambes et, Pierre, le premier pape, est identifié par les clés qu'il rend au Christ. Son rôle de gardien des clés du royaume des cieux a pris fin. Ce geste était un rappel frappant au pape que son règne en tant que vicaire du Christ était temporaire - en fin de compte, lui aussi devra répondre au Christ.

Dans les lunettes (espaces semi-circulaires) en haut à droite et à gauche, des anges exposent les instruments de la Passion du Christ, reliant ainsi ce moment triomphal à la mort sacrificielle du Christ. Cette partie du mur fait saillie d'un pied en avant, ce qui la rend visible au prêtre à l'autel ci-dessous alors qu'il commémore le sacrifice du Christ dans la liturgie de l'Eucharistie.

Lunette aux anges portant les instruments de la Passion du Christ, (détail), Michel-Ange, Jugement dernier, Chapelle Sixtine, fresque, 1534-1541 (Cité du Vatican, Rome)

Réponse critique : chef-d'œuvre ou scandale ?

Peu après son inauguration en 1541, l'agent romain du cardinal Gonzague de Mantoue rapporte : « L'œuvre est d'une telle beauté que Votre Excellence peut imaginer que ceux qui la condamnent ne manquent pas. . . . [A] mon avis, c'est une œuvre pas comme les autres à voir n'importe où. » Beaucoup ont salué le travail comme un chef-d'œuvre. Ils ont vu le style figuratif distinct de Michel-Ange, avec ses poses complexes, son raccourci extrême et sa musculature puissante (certains pourraient dire excessive), comme digne à la fois du sujet et du lieu. La pure physicalité de ces nus musclés affirmait la doctrine catholique de la résurrection corporelle (que le jour du jugement, les morts ressusciteraient dans leur corps, pas comme des âmes incorporelles).

La gauche: Apollon Belvédère, Droite : Christ (détail), Michel-Ange, Jugement dernier, Chapelle Sixtine, fresque, 1534-1541 (Cité du Vatican, Rome)

Un autoportrait

Saint-Barthélemy (détail), Michel-Ange, Jugement dernier, Chapelle Sixtine, fresque, 1534-1541 (Cité du Vatican, Rome)

Une peinture épique

Comme Dante dans son grand poème épique, The Divine Comedy , Michel-Ange a cherché à créer une peinture épique, digne de la grandeur du moment. Il a utilisé la métaphore et l'allusion pour orner son sujet. Son public instruit se délecterait de ses références visuelles et littéraires.

Dans le sens horaire : Saint Blaise, Sainte Catherine et Saint Sébastien (détail), Michel-Ange, Jugement dernier, Chapelle Sixtine, fresque, 1534-1541 (Cité du Vatican, Rome)


Peindre le plafond

Vue du plafond, La Chapelle Sixtine, Michel-Ange

Michel-Ange était d'abord venu à Rome pour travailler sur la tombe du pape et lorsque Julius lui a demandé de changer de projet pour décorer le plafond de la chapelle Sixtine, l'artiste était loin d'être heureux. Il avait investi beaucoup de temps et d'efforts dans la tombe, et de plus, il n'avait aucune expérience du travail avec les fresques. Il était sculpteur, pas peintre, et Michel-Ange a estimé que ses talents seraient gaspillés à travailler sur un plafond plutôt que sur la tombe monumentale du pape. Finalement, il a accepté à contrecœur de prendre la commission.

Au cours des années suivantes, l'artiste n'est pas devenu plus optimiste quant à son nouveau projet. Il se plaignait fréquemment à ses amis de l'inconfort physique qu'il endurait, tendant le cou pour regarder son travail et ayant de la peinture qui coulait constamment sur son visage. Contrairement à la croyance populaire, Michel-Ange ne peignait pas couché mais plutôt debout sur un échafaudage et atteignant son pinceau au-dessus de sa tête. L'artiste avait conçu et construit la structure lui-même, après qu'un autre architecte ait tenté d'installer un support suspendu à des cordes. Michel-Ange mit immédiatement fin à ce plan, indigné à l'idée qu'il faudrait percer des trous dans son plafond.


Histoire de l'art- Les Maîtres III- Michel-Ange

Comment Michel-Ange a-t-il peint les fresques de la chapelle Sixtine ?

Il les a peints comme une histoire narrative.

Quel est le nom du tableau ci-dessous ?

Il a fallu 4 ans à Michel-Ange pour peindre le ________ de la Chapelle Sixtine.

En plus d'être un symbole religieux, la statue de David a également _______________________.

A servi de rappel de l'État républicain de Florence.

Quels étaient les sentiments de Michel-Ange à propos de la peinture dans la chapelle Sixtine ?

Que suggère l'expression de David ?

Qu'il est sur le point de rencontrer le danger.

Une sculpture de Marie tenant le corps de Jésus

Lequel des éléments suivants est un monument funéraire dans la basilique vaticane Saint-Pierre ?

Les peintures de la chapelle Sixtine ont donné naissance à un nouveau style puissant dans ______ Renaissance.

Quel est le thème général des peintures de la Chapelle Sixtine ?

Quel est le titre de l'oeuvre ci-dessous ?

Quelle caractéristique physique Michel-Ange utilise-t-il couramment dans ses fresques ?

Il utilise des formes musclées fortes.

Comment Michel-Ange souligne-t-il que Dieu a fait Adam à son image dans La Création d'Adam ?

La forme et la pose d'Adam imitent celles de Dieu.

Quels symboles Michel-Ange a-t-il inclus dans la sculpture intitulée Nouvelle sacristie ?


Chapelle Sixtine

L'une des chapelles les plus célèbres au monde, la chapelle Sixtine est située dans la Cité du Vatican, dans la capitale italienne de Rome, au sein de la résidence du pape, le palais apostolique. Il est particulièrement célèbre pour son plafond qui a été peint par l'artiste Michel-Ange entre 1508 et 1512 et est vénéré comme l'un de ses meilleurs tableaux. La chapelle a été rénovée en 1480 par le pape Sixte IV lorsque son nom est passé de Cappella Magna à Chapelle Sixtine. Il continue d'accueillir des fonctions religieuses et papales aujourd'hui et est le site des conclaves pontificaux (site où le Collège des cardinaux élit les papes suivants).

Conçue par Baccio Pontelli, la chapelle Sixtine a remplacé la Cappella Magna dont les murs étaient inclinés et dans un état presque ruiné. À la fin, le pape Sixte IV a chargé plusieurs artistes importants de décorer l'intérieur de la chapelle avec des fresques religieuses. Botticelli et Perugino sont deux des artistes qui ont contribué aux œuvres d'art de la chapelle. Le Christ du Pérugin donnant les clés à saint Pierre est particulièrement remarquable.

L'extérieur de la chapelle est de forme rectangulaire et composé de briques. À bien des égards, elle diffère des églises historiques du Moyen Âge ou de la Renaissance car sa structure et sa façade sont simples et en grande partie sans fioritures. Au lieu de cela, la chapelle a été construite en grande partie pour reproduire le Temple de Salomon tel qu'il était décrit dans l'Ancien Testament. Alors que l'extérieur de la chapelle est réputé pour sa simplicité, l'intérieur est historiquement célèbre pour ses œuvres d'art inégalées et sa décoration inestimable.

Les murs de la chapelle, lors d'événements importants, sont recouverts de tapisseries dessinées par l'artiste Raphaël. Les tapisseries représentent des scènes de la vie des apôtres Pierre et Paul. Les tapisseries originales de Raphaël, cependant, ont été détruites lors du sac de 1527. Le niveau inférieur des murs est principalement décoré de tentures murales en argent et en or. Le niveau intermédiaire contient des peintures représentant des scènes de la vie de Jésus ainsi que de Moïse. Le niveau supérieur est divisé en deux. Une section contient la Galerie des Papes, l'autre présente les Ancêtres du Christ peints par Michel-Ange.

Le plafond de la chapelle a été commandé par le pape Jules II. Michel-Ange y a peint neuf tableaux qui représentent la création du monde par Dieu, la relation du Seigneur avec l'homme et la chute de l'homme de la grâce. Les peintures de Michel-Ange comprennent douze mille pieds carrés de plafond. L'artiste a conçu et construit son propre échafaudage pour l'énorme commande. L'artiste a d'abord refusé le projet, mais a été persuadé lorsqu'il a été autorisé à peindre des scènes bibliques de son choix. Le plafond frappe par sa magnifique exécution ainsi que par ses couleurs éclatantes. Michel-Ange a également peint le mur derrière l'autel avec son chef-d'œuvre Le Jugement dernier (1535-1541).


Quiconque a eu l'occasion de voir de près le plafond de la chapelle a dû remarquer deux choses. Premièrement, ce plafond est haut et il est certainement rempli de nombreuses peintures. Il est difficile d'imaginer qu'un artiste ait pu faire tout cela en moins de cinq ans, et d'une certaine manière, cette connaissance rappelle l'image de Michel-Ange alors qu'il était allongé sur le dos et peinait d'une année à l'autre. Il ne fait aucun doute qu'il savait que son plafond deviendrait l'un des plus importants de l'histoire, mais là encore, Michel-Ange était un artiste extrêmement talentueux.

Au début, le peintre a été chargé de peindre une sorte de symbole géométrique pour remplacer le plafond de la chapelle alors bleu qui était parsemé d'étoiles. C'était en 1508 lorsque Michel-Ange était sous la commission du pape Jules II. Au lieu de cela, l'artiste a choisi de décorer le plafond avec les scènes de l'Ancien Testament que le monde connaît et apprécie aujourd'hui.

Description des Fresques

Les fresques sont plus que de simples décorations destinées à impressionner l'œil. Ces scènes racontent une histoire – l'histoire de l'humanité depuis le tout début. Ils racontent l'histoire qui existait avant toutes les autres histoires – l'histoire de la création. Divisées en trois sections, les scènes sont disposées par ordre chronologique avec la première partie du récit peinte sur l'autel. Ici, on trouvera trois tableaux – La Création des Cieux et de la Terre, La Création d'Adam et Eve, et enfin L'Expulsion du Jardin d'Eden. Michel-Ange enchaîne ensuite sans effort avec une peinture de Noé et du déluge.

Il raconte la même vieille histoire au monde, mais le peintre capture plus dans ses fresques que n'importe qui pourrait jamais imaginer. En utilisant ignudi (jeunesse nue) pour représenter son message, Michel-Ange prêche le message de la naissance du Christ et trouve un moyen de le relier à la création de l'homme.

Les techniques utilisées

La plupart de ses peintures ont des détails narratifs car elles montrent plusieurs figures toutes peintes en petits formats. Cela fait qu'une fresque particulière se démarque de toutes les autres - La Création d'Adam. Dans cette fresque, les figures sont monumentales car elles s'allongent pour se rencontrer à travers un vide. Le fait qu'il diffère du reste pourrait être ce qui distingue le tableau du reste, mais malgré le fait qu'il manque de narration, le détail de cette image est toujours remarquable. La peinture de Michel-Ange du Déluge comprend beaucoup plus de détails. Ici, il peint le ciel et les eaux et utilise l'espace dont il dispose pour mettre en scène quatre récits.

La peinture montre un groupe de personnes essayant d'éviter la pluie en s'abritant sous un objet de fortune. Sur le côté gauche, il y a plus de gens qui courent sur une montagne pour essayer de s'éloigner de la montée des eaux. Au centre de l'image se trouve un bateau qui semble dominé par la puissance combinée de la pluie et de la mer déchaînée. À l'arrière-plan de cette image, cependant, se trouve le salut alors qu'une petite équipe travaille pour achever la construction de l'Arche. Cette image montre une tragédie, mais il y a une seule lueur d'espoir pour l'avenir de l'homme. Ceux qui sont sur le point de mourir sont désespérés et appellent à la sympathie d'un observateur.

L'image fait repenser la justice de Dieu alors qu'il a recouru à anéantir le monde entier afin qu'il puisse tout recommencer. Mais en sauvant Noé et sa famille, Michel-Ange peint le salut de Dieu sous sa vraie forme. Il y a un autre détail qui est clair lorsque le plafond de la chapelle Sixtine est observé de près. C'est comme s'il y avait deux sections différentes qui ont été peintes par deux artistes différents. C'est probablement parce que, pendant son travail, Michel-Ange a fait une pause d'un an en 1510. Dans des images comme Le Déluge, on peut voir que les gens périssent dans les inondations, mais il est difficile de discerner leur état émotionnel. En peignant un groupe de personnes dans un espace restreint, Michel-Ange a sacrifié tout lien qui aurait pu être forgé entre un observateur et ces personnages de sa peinture.

Son travail ultérieur utilise des figures plus monumentales qui ont des visages et des traits clairs, ce qui permet aux gens de se connecter plus facilement avec les peintures. Prenant la Création d'Adam, par exemple, nous constatons que nous pouvons distinguer le visage d'Adam comme étant paresseux et détendu avec un léger sentiment de nostalgie. On peut aussi deviner que le visage de Dieu est sérieux comme s'il travaillait dur pour faire sa création. On peut le percevoir même depuis le sol de la chapelle. Il y a un petit détail, mais vraiment, la supériorité du travail de Michel-Ange après sa pause réside dans la simplicité qu'il en est venu à employer.

Neuf scènes du livre de la Genèse
Douze prophètes et sibylles
Ancêtres du Christ
Pendentifs
Écoinçons
Ignudi
Médaillons

La connexion observable dans ses peintures

Les peintures se concentrent sur l'histoire qui a été racontée dans le livre de la Genèse, mais il existe des formes qui ont été interprétées pour représenter l'image de l'enfant Jésus. Dans la Création d'Adam, cette figure d'enfant a été incluse pour signifier que même si l'homme est créé à l'image et à la ressemblance de Dieu, il y a encore de la place pour le péché et que Dieu a prévu ce péché. Les fresques relient l'Ancien Testament au Nouveau Testament d'une manière qui n'avait jamais été faite auparavant. Michel-Ange a trouvé un moyen de mettre cette connexion dans l'art. Il a trouvé une toute nouvelle façon de présenter les scènes de la Bible, y compris l'idée qu'Adam a pris vie par le simple toucher du doigt de Dieu.

Dans un ordre attentif, le peintre raconte en silence l'histoire d'Adam depuis la perfection qu'il était lors de la création jusqu'au pécheur que ses enfants sont devenus après la chute de l'humanité. Il y a neuf peintures narratives sur ce plafond, mais la perspective utilisée sur les sujets est telle que si l'on regarde d'assez près, on peut presque voir la silhouette se dresser hors du mur du plafond. Les personnages utilisés sont anciens, oui, mais après avoir visionné ces images, les observateurs entrent dans le monde réel avec une imagination débordante de ce qui était et de ce qui est.

Michel-Ange a comblé le fossé entre l'innocence passée, le péché présent et la future rédemption de l'humanité, faisant tout cela ressembler à une histoire continue alors qu'elle a été réalisée au cours des siècles. Il est possible que l'esprit du peintre n'ait pas tout à fait extrapolé aussi loin lorsqu'il travaillait péniblement au plafond, mais l'idée semble tellement convenir qu'on ne peut s'empêcher d'imaginer ce que pensait Michel-Ange - imaginez comment le monde interpréterait son dernier chef-d'œuvre.

Quelle était la motivation de Michel-Ange ?

On ne sait pas ce qui l'a inspiré pour peindre le plafond, en fait, on pourrait dire que Michel-Ange était tout sauf inspiré lorsqu'il a commencé à décorer la chapelle Sixtine. Le pape Jules II l'a pratiquement forcé à le faire, donc d'une certaine manière, le pape a été son inspiration. Le pays à cette époque avait été brisé par la guerre, et dans une tentative d'unir à nouveau le peuple, le Pape a jugé bon de repeindre le plafond et les murs de la chapelle. Le plafond était destiné à inspirer la servitude divine, donc en utilisant le pouvoir accordé à l'église, le pape a chargé Michel-Ange de peindre 12 fresques qui montraient des images des 12 apôtres du Christ.

Ces apôtres étaient censés être peints de façon géométrique. Le peintre ne s'est pas inspiré de cette commande originale, il a donc proposé que les scènes de l'histoire de la création de l'Ancien Testament soient peintes à la place. Il savait que les apôtres du Christ avaient mené des vies pauvres et, par conséquent, hésitait à les peindre dans les gloires du monde. Ce peintre aimait les défis, et pour lui, peindre 12 personnages sur un si grand espace ne présentait pas beaucoup de défi. Il a plutôt choisi de peindre les quelque 300 figures complexes qui dominent maintenant le plafond de la chapelle.

On dit qu'un certain nombre de personnes, dont le cousin du pape Marco Vigerio Della Rovere, ont inspiré la conception du plafond de la chapelle Sixtine, mais ce n'est qu'une théorie. En entrant dans la chapelle, les images de l'ascension de l'humanité sont peintes à l'envers. Cela a été interprété comme signifiant que lorsqu'on se rapproche de l'autel, on se rapproche de la gloire de Dieu – se rapproche de son salut.

A l'entrée, on peut voir Noé dans son ivresse, et à l'autel, on peut voir Dieu qui sépare la lumière des ténèbres. Alors qu'un observateur se dirige vers l'autel, l'histoire se raconte à l'envers, et au centre même du plafond, on peut voir Dieu alors qu'il donne vie au premier homme, Adam. Peindre ces fresques a endommagé de façon permanente la colonne vertébrale de Michel-Ange, et bien qu'il ait pu être facile pour lui de peindre les personnages, il a dû lui être difficile de donner à ces personnages la voix qu'ils posent encore aujourd'hui.

L'ordre inversé dans lequel les fresques sont peintes est en quelque sorte symbolique. Aller vers l'autel, c'est aller vers Dieu et l'ascension de l'humanité, mais s'éloigner de l'autel et retourner dans le monde extérieur représente une marche qui mène au péché et à la chute éventuelle de l'humanité.

Le style utilisé

Les couleurs vives utilisées par le peintre sont extrêmement utiles à quiconque espère déchiffrer le contenu de la chapelle Sixtine à 60 pieds en dessous. Les couleurs sont maintenant audacieuses et lumineuses par rapport à ce qu'elles étaient avant la restauration du plafond. Il y a un fond blanc général qui fait ressortir les jaunes, les roses et les verts que le peintre utilisait pour donner vie à ses personnages. L'utilisation d'anciens prophètes et d'anciennes sibylles a été interprétée de différentes manières au fil des ans.

Les sibylles ont prédit la naissance d'un sauveur dans les temps anciens, mais pour le chrétien moderne, la naissance du Christ a été prédite par les anciens prophètes de l'Ancien Testament. Michel-Ange a utilisé des sibylles et des prophètes pour indiquer le même salut qui serait accordé à toute la race humaine. Il peint une Sibylle en particulier d'une manière intéressante, la Sibylle libyenne. Elle est faite pour apparaître sous forme de sculpture, un peu comme tous les personnages que cet artiste dépeint. Le corps de cette sibylle est quelque peu tordu alors qu'elle est assise sur un vêtement regardant par-dessus son épaule en direction de l'autel. Son image semble s'intégrer parfaitement dans l'environnement dans lequel elle a été placée.

Il y a des panneaux triangulaires qui sont placés sur le côté des panneaux de la chapelle centrale. A l'intérieur de ces panneaux triangulaires se trouvent des figures qui représentent les ancêtres du Christ. Séparant ces panneaux sont des représentations de cinq sibylles et des sept prophètes. Les quatre coins de la chapelle montrent quatre scènes inspirées de l'Ancien Testament. Après avoir fini de peindre l'ivresse de Noé, Michel-Ange a de nouveau regardé les images, et après s'être rendu compte qu'elles n'étaient pas aussi imposantes qu'il l'avait prévu, il a choisi de les rendre plus grandioses. Ainsi, à mesure que l'on se dirige vers l'autel, les images deviennent de plus en plus grandes. Son travail est religieux sur tous les fronts. Les peintures, en particulier le profond sentiment d'émotion évident dans certains visages des personnages, sont une preuve de la piété de Michel-Ange.

Enfin vint le Jugement dernier que Michel-Ange a créé 20 ans après avoir terminé toutes les autres peintures au plafond. Cette dernière image est située sur le mur de l'autel de la chapelle Sixtine, et en comparant comment elle a été faite par rapport à la façon dont toutes les autres images ont été faites pour apparaître, on peut commencer à comprendre pourquoi les observateurs n'y ont pas beaucoup réfléchi. Le talent employé dans cette image est tout aussi remarquable, mais le Jugement dernier véhicule un concept de tristesse. Cette peinture montre la seconde venue du Christ, et bien que l'inspiration provienne de la Bible, l'artiste a utilisé sa vive imagination pour créer l'image rayonnante remplie de saints et d'anges. Cette peinture montre la fin ultime de la race humaine après des siècles de péché et de désobéissance.

La raison pour laquelle la plupart des observateurs ont considéré qu'il s'agissait d'une démonstration de désespoir est que Christ est considéré comme plongeant une majorité de personnes dans les feux maudits de l'enfer, seuls quelques-uns s'élèvent au ciel. Some figures are cowering before the son of God as he passes his final judgement. The images are somewhat disturbing and very realistic as the Saint Bartholomew holds out his skin and the Saint Andrew holding the cross that he was crucified on.

Michelangelo was to art what Shakespeare was to literature. These two characters in history represented new ideas. The painter tried to push forth a new idea of what was meant to be. Through these images, the religious world view he had becomes clear to the world. Michelangelo painted not to blind us to his perspective, but to give us a glimpse into his mind – into the world that he imagined. He painted and left his work free of interpretation, giving any observer the chance to drink in this marvellous creation and make their conclusions.

Right from the entrance of the chapel, the painter shows us a vision of what it was like for a man to meet the touch of God during creation. He shows us this in a bold and energetic way, using images of ancient prophets and seers to include the concept of the future. Looking at the Sistine Chapel ceiling is looking directly at the divine not through the eyes of Michelangelo, but through those of every human being ever created. These paintings are not limited by what has been preached, and they go beyond the rules that have been set about religion and fully express an idea of God that most people could not dare imagine.

More than 500 years down the line and the modern world is still in awe each time we look at Michelangelo's creation. After the chapel was cleaned, the real complexity of the artist's palette was exposed, and since then, the Sistine Chapel has become some school and inspiration for everyone around the world. At 33, this artist unwillingly started out on this commission to paint the pope's private chapel only for it to become the best thing he ever created. For a sculptor who insisted that he was not a painter, the work he did on the Sistine Chapel ceiling comes awfully close to perfect.

The period of 1508-1512 represented a key time in the career of Michelangelo as he set about constructing an array of frescos across the ceiling of the Sistine Chapel.

This monumental task was to be completed with such immense creativity and technique that the artist himself was to become a household name from then on.

Certain specific elements of the overall piece are considered masterpieces in their own right, and to see them all together is truly extraordinary.

The popularity of Michelangelo's work is also shown in the fact that he was invited back some years later to complete The Last Judgement painting which sat on the altar wall, close to his previous work.

Michelangelo was an artist with huge confidence as well as technical ability which was necessary in order to take on such a challenging request, which had come from Pope Julius II.

The complex combinations of figures across the ceiling has helped many budding artists to understand the true skills of the artist in capturing the human body in a manner of different ways. His understanding of anatomy was impressive and necessary to produce such lifelike and believable portraits.

All of Michelangelo's work on the ceiling is now over 500 years old and so it has been very necessary to continuously protect the frescos and plaster work from all natural elements as well as enthuastic tourists who have been flocking to the Chapel for centuries.

There have also been restorative work in recent generations to remove darkening effects from natural elements that can never be entirely guarded against. The nature of this large artwork also means that it is harder to look after than a normal sized standard painting or sculpture.

The art within the Sistine Chapel, which also includes work by many other notable Italian artists, underlines the wealth and status of the Pope and Christianity itself at that time. Quite simply, it could attract and afford commissions with the finest artists of that time and Michelangelo was clearly around the top of that list.


We Calculated the Total Number of Dicks in Michelangelo’s Oeuvre

When it comes to Michelangelos, the artist Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni is only my second favorite. My third favorite was a mediocre pizza joint by my aunt’s house when I was a kid, but they closed in the 1990s, so really, the competition of “Who’s the best Michelangelo?” is only between the Renaissance artist and the nunchuck -wielding Teenage Mutant Ninja Turtle .

While I admit that I have advanced knowledge of the Ninja Turtle and limited knowledge of the actual human being, from my perspective, the turtle is just way better, surely? He’s trained in martial arts! He knows how to throw a good pizza party ! Cette other Michelangelo, all I know for sure about him is that he painted a whole bunch of dicks.

But how many dicks? Well, let’s find out!

The first of Michelangelo’s dicks is undeniably the strangest. I’ll get to David and other, more recognizable nether regions later, but the first known painting done by Michelangelo was completed when he was just 12- or 13-years-old. Based on the engraving The Temptation of Saint Anthony by the artist Martin Schongauer , Michelangelo painted this around 1488:

Not seeing any penises? Well, neither did I, at first, but then I took a closer look at all those demons attacking that old dude, and I found this:

Yes, that’s a very pointy demon penis, complete with weird balls, a gaping asshole and some ass-eyes to boot. Frankly, I’m glad that the style Michelangelo would become known for was nothing like this, as I don’t think I could take counting up hundreds of demon cocks.

La prochaine étape est The Young Archer , which looks much more like what we’d expect from a young Michelangelo, who is believed to have sculpted it around age 16. What’s impressive about The Young Archer is that you can already see Michelangelo’s immense talent when it comes to the human form. “He was good at everything really, it wasn’t just nudity,” says art history professor William E. Wallace, author of Michelangelo: The Artist, the Man and His Times and several other Michelangelo books . “Michelangelo painted, he sculpted, he was an architect. There was something really remarkable about him — he had a gift — but he also worked really hard at it.”

Unfortunately, the archer is missing his little arrow, it having fallen off sometime between 1492 and 1996, when the sculpture was rediscovered . So, despite young Michelangelo’s obvious talent, it’s hard to say how refined his dick-carving skills were at this point.

The Young Archer, who, in addition to missing his dick, is probably a lousy shot.

Next we turn to The Battle of the Centaurs from 1492. This piece is chock-full of naked dudes, but only Trois of them have their penises visible. One of which, by the way, is the penis of Socrates ! Later on, Michelangelo did a similar piece called Battle of Cascina , which also had a ton of naked guys fighting, but only four of which have visible penises.

Michelangelo’s next dick is yet another lost dick, but this one went missing along with its owner, the Roman demigod Hercules. Michelangelo’s Hercules was sculpted in 1492 at the palace of Lorenzo de Medici . In 1529, it was gifted to the King of France and was last seen in 1713, when it may have been destroyed . Fortunately, we have a pretty good idea of what it looked like thanks to drawings of it, so we do know for sure that it included Hercules’ less-than-herculean love muscle.

A copy of Michelangelo’s Hercules by artist Peter Paul Rubens.

The subject matter of Hercules also offers a bit of insight as to why Michelangelo sculpted so many nudes to begin with. As Wallace explains, “The reason why nudity is so common in Michelangelo’s work is that it was common in antiquity. ‘Renaissance’ means ‘rebirth’ and the artists of the Renaissance were looking back toward Greece and Rome, but mostly Rome for Michelangelo.”

Next up is some Christ cock! I’m not a religious person, but I feel like most of the depictions I’ve seen of Jesus on the cross have him wearing a loincloth, which raises the question: Was Jesus crucified naked, or in a loincloth? No matter, that’s an investigation for another day.

Jesus, sans loincloth

Over the course of his career, Michelangelo sculpted and painted Jesus a lot there were, however, only a few times where Jesus had his dick out. All told, he sculpted adult Jesus’ dick six times and baby Jesus ’ baby dick three times (also, one of the baby Jesus sculptures includes a naked toddler of John the Baptist, so that’s another one). Michelangelo also peint Jesus’ dick twice. Jesus was depicted in much larger works as well — like the Sistine Chapel — but right now I’m just talking about the pieces where Jesus is the main subject.

This one is Christ the Redeemer. Michelangelo did sculpt Jesus’ dick here, but someone covered it up later with a bronze loincloth, the damned prudes.

At this point, I should also note that there are many drawings by Michelangelo that include frontal male nudity — including that of Jesus — but I’m only counting Michelangelo’s sculptures and paintings (the only exception being the already-mentioned Battle of Cascina , which is considered a completed cartoon ). The reason why I’m not counting the drawings is that Michelangelo’s drawings are usually incomplete works that he simply created to plan for something larger. He would even go as far as to destroy many of his drawings so that no one would see his works in progress. Thus, out of deference to Michelangelo’s wishes, I will not be counting any of his sketched penises or any of his models made of clay or wood, as they were all just for planning bigger stuff.

If you get to the end of this thing and deem it to be an insufficient amount of dick, you can always go looking for Michelangelo’s sketches.

Next up is some more Cupid cock. Aside from the archer that I noted earlier — which force have been Cupid — Michelangelo sculpted a sleeping Cupid and a standing Cupid in the late 1490s, both of whom had their dicks out. That brings us to 24 dicks total.

Then there’s the sculpture of Bacchus, the Roman god of wine, from 1497. Bacchus’ penis chipped off some centuries ago, but it still counts. Even more interesting is the presence of a little goat man in this sculpture, who aussi has his dick out. Fortunately, the goat-man’s dick is far less frightening than that earlier demon dick.

GOAT BOY dick

Now, finally, for dick number 27, we arrive at the David . To offer a bit of background, Wallace again refers to Michelangelo’s Roman influence. “Michelangelo had just come from Rome after five years looking at ancient sculptures, and the David was a carving of an ancient statue all over again, just in a giant size.” Fortunately, though so many of Michelangelo’s sculptures have degraded over the years, a great deal of care has been taken to preserve the David , so the statue — and its penis — remain intact.

Snark is my natural inclination for so much of this kind of stuff, but the David is such a renowned, extraordinary and beautiful piece of art that I feel like an asshole just trying to come up with a joke here. So, let’s just admire the David and its still-attached penis:

Michelangelo sculpted three nude slaves as well, and though it’s lost today, there was also a small bronze David that Michelangelo completed around the same time as the big one, bringing the running dick total to 31.

Here’s where shit gets nuts. Apparently, unsatisfied with just sculpting one dick at a time, Michelangelo decided to up his dick-art game by painting a bunch of penises all at once. The first of these great dick feasts is the ceiling of the Sistine Chapel, which, along with the David , is Michelangelo’s most famous work.

To count all of these dicks, I had to be methodical. Between 1508 and 1512, Michelangelo painted more than 5,000 square feet of the Sistine Chapel, which includes 49 different individual scenes, so, to make sure I didn’t miss a prick, I had to go one section at a time and mark each penis, alors count them up at the end. This took hours of examination, as each section had to be looked up and scoured for dick separately. At the end of it all, I counted a total of 57 penises on seulement the ceiling, which wasn’t the only part of the chapel that Michelangelo painted.

This is my actual worksheet, and every pink dot is a penis location. I changed the image to black and white so that the dicks stand out. There are 57 here.

In addition to those 57 dicks, there are another seven dicks at the lower edges of the ceiling and another three dicks in the chapel’s lunettes, which are the sections Michelangelo painted over the windows.

A lunette featuring one baby penis

Finally, Michelangelo returned to paint Suite of the Sistine Chapel in 1534, creating a huge mural named The Last Judgment. The dicks here are especially notable, as Wallace explains, “The nudity in The Last Judgment was an issue from the beginning, and people did object to it, feeling it was inappropriate. On the other hand, if you think of what the subject is, it makes sense. It’s the last judgment, and on the day of the last judgment, you’re going to be judged before God and you’re not going to go with a tuxedo on, you’re going to stand naked before him. But, because some people objected to it, some of the nudes were painted over, even in Michelangelo’s lifetime.”

Michelangelo’s The Last Judgment, which is painted onto a wall in the Sistine Chapel.

On the current version of The Last Judgment in the Sistine Chapel, I counted a mere 17 penises, which is kind of underwhelming considering that the painting appears to be of hundreds of naked dudes. But, fortunately, before any of the changes were made, Cardinal Alessandro Farnese commissioned a copy of the work in 1549 by artist Marcello Venusti . Venusti’s copy now resides in the National Museum of Capodimonte , and most art historians believe it offers a true representation of Michelangelo’s original.

Venusti’s copy of The Last Judgment

By examining Venusti’s copy, I located another 19 visible dicks in addition to those 17 that remained. That brings the total number of dicks that Michelangelo painted in the Sistine Chapel to 103, and if you add that to the running total, Michelangelo’s got 134 dicks so far (and we’re not done yet).

While he was painting the Sistine Chapel, Michelangelo also sculpted The Genius of Victory , as well as two naked dudes riding panthers , adding three more dicks to the list.

Okay, Michelangelo, you were definitely trying too hard with these.

In the 1520s and 1530s he sculpted some figures for the Medici Chapel , two of which were naked dudes with their dicks exposed. And in 1530 he sculpted a nude Apollo , bringing our running total to 140

Michelangelo’s final work was the Rondanini Pietà , which was a sculpture of a nude Christ along with the Virgin Mary. I already counted that back in my Jesus tally, so the only things left to count are the penises from Michelangelo’s final two paintings, The Conversion of Saul et The Crucifixion of St. Peter , both of which are in the Vatican . However, for both of these pieces, their degree of dick is difficult to discern. For one, they both hang in an area of Vatican City that’s off-limits to visitors, which means there aren’t a ton of clear, hi-res pictures of these murals. Also, they were left to decay for a few centuries, and when they were finally restored, it once again seems that some loincloths were added to hide Michelangelo’s original nudity.

Originally, that scrap of cloth didn’t cover St. Peter’s peter.

The best guess, though, is that The Crucifixion of St. Peter originally had one exposed penis and The Conversion of Saul had four ( which I discerned from a copy of it ). All told, that means that, in his 88 years on planet Earth, Michelangelo sculpted and painted a total of 145 penises that were part of a finished work.

Honestly, when I started on this venture, I figured that there would have been hundreds, if not thousands of Michelangelo dicks out there. But when I consider the fact that Michelangelo was primarily a sculptor and that most of his works took années to create, 145 penises is certainly not too shabby.

That said, this is yet another area where I wonder if Michelangelo the Renaissance painter falls short of the heroic reptile named after him. After all, Michelangelo the Teenage Mutant Ninja Turtle is a teenager, and he’s been a teenager since 1984, so, if you total up all the dicks he’s inevitably graffitied all over the walls of New York City’s sewers in the past 36 years, he might, once again, outdo Michelangelo, Renaissance (cock) master.

Brian VanHooker

Brian VanHooker is a writer at MEL. He is the co-creator of the John O'Hurley pilot ‘The Tramp’ and co-created 'Barnum & Elwood.’ He also hosts a TMNT interview podcast.


The Plot Behind Michelangelo's Sistine Chapel Masterpiece

God offers life to Adam – the Sistine Chapel ceiling centrepiece

By Ray Setterfield

September 11, 1503 — On this day Michelangelo began sculpting the twelve Apostles of Jesus Christ in marble. They were to stand in niches at Florence Cathedral. He abandoned the project two years later when he was summoned to Rome to build a tomb for Pope Julius II.

The tomb was scheduled to be finished in five years. It included forty statues and was on such a grand scale that the Pope and Michelangelo agreed Saint Peter&rsquos Basilica would have to be rebuilt to house it.

The five-year deadline came and went, and Michelangelo continued working on the tomb for 40 years. Even so, it was never completed to his satisfaction. It is now located in the Church of San Pietro in Vincoli (Saint Peter in Chains) in Rome and is famous particularly for Michelangelo&rsquos magnificent statue of Moses.

Delays in the tomb&rsquos completion could partly be explained by the Pope&rsquos tendency to find new projects for Michelangelo. At one stage he ordered a colossal bronze statue of himself. The sculptor spent more than a year modelling and casting the figure, which, three years later, was melted down to make a cannon!

The principal architect for St Peter&rsquos Basilica, Donato Bramante, was said to be resentful about the young upstart Michelangelo being given such a big commission as the tomb project, and plotted against him. Michelangelo was famous as a sculptor, especially because of his five-metre tall statue of David, and his Pieta, which depicts the Virgin Mary holding the dead body of Christ. But he was not as highly esteemed for his art work.

Giorgio Vasari, an Italian writer at the time, and himself an artist and architect, recorded that Bramante joined forces with the painter Raphael in persuading the Pope that Michelangelo should paint the ceiling of the Sistine Chapel, where the conclave, baptisms and other official ceremonies take place.

Michelangelo's two artistic rivals hoped, according to Vasari, that the sculptor would make a poor job of it, fall out of public favour and have to leave Rome.

The man himself had strong doubts. He protested that he was no painter, but the Pope insisted, so Michelangelo began to work alone and in great discomfort, sticking at his painstaking task for four years.

What resulted was a monumental work of genius illustrating stories from the Old Testament including the Creation of the World, and Noah and the Flood. Bramante's hopes were dashed, and Michelangelo&rsquos work became &ndash and remains &ndash one of the greatest masterpieces of Western Art. It is now admired every year by millions of tourists from all over the world.

In 1787, philosopher Johann Wolfgang von Goethe wrote: &ldquoWithout having seen the Sistine Chapel, one can form no appreciable idea of what one man is capable of achieving.&rdquo

Michelangelo was born to Leonardo di Buonarrota and Francesca di Neri del Miniato di Siena, a middle-class family of Italian bankers on March 6, 1475. He died of a fever aged 88 on February 18, 1564 after walking in the cold night air.

The Pope wanted him to be interred at St. Peter&rsquos but Michelangelo&rsquos nephew and heir, Leonardo, took the body back to Florence to be buried in the Basilica of Santa Croce. More than a hundred artists attend his funeral.

*According to some reports, Galileo Galilei, the &ldquofather of modern science&rdquo, shifted his official birth date by 24 hours to coincide with the day Michelangelo passed away. He had in mind the assertion that genius never dies.


Watch the video: Code Michel-Ange